10년 간 최고의 영화 100선

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10년 간 최고의 영화 100선

NiBela 2021. 1. 22. 07:56

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10 년 전, 우리 모두는 영화에 대해 꽤 확고한 아이디어를 가지고있는 것처럼 보였습니다. 영화가 무엇을 할 수 있는지, 누구를 위해 무엇을하는지, 어디에서 시청하는지 등 말입니다. 그 아이디어는 융통성이 없었고 한 세기의 선례로 뒷받침되었습니다. 영화의 미래가 과거와 크게 다르지 않을 것이라는 생각에 담당자를 편안하게 만드는 추가적인 이점이 있습니다. DVD 판매는 강했고 Netflix는 여전히 우편함 하단에있는 슬픈 작은 봉투였으며 중국은 스튜디오에 사상 최대의 안전망을 제공하기 시작했습니다. 아마 2009 년에 제임스 카메론의“아바타”가 등장한 것은 다가올 이상한 일의 선구자로 볼 수 있었을 것입니다. 그러나 할리우드에서 거의 30 억 달러를 벌어 들인 영화를보고 잠을 잃은 사람은 아무도 없습니다.

여러가지가 바뀌었다. 영화는 끊임없는 유동 상태에 있지만, 지난 10 년 동안 그랬던 것보다 더 빠르거나 불안하게 변이 된 적은 없습니다. 그리고 스트리밍과 모 놀리 식 슈퍼 히어로 영화에 의해 촉발 된 패러다임의 변화로 인해 10 년이 기억 될 것이지만, 돌이켜 보면 영화 자체의 정의가 10 년 전보다 기하 급수적으로 넓어 졌음을 분명히 알 수 있습니다. 장소. 제품. 거울. Windows. 우리가 누구인지에 대한 반성. 우리가 원하는 사람의 비전. 현실을 포착하는 방법. 그것을 바꾸는 방법. 2010 년대의 가장 중요한 작업이 한 가지를 분명히했다면, 영화는 오늘날보다 더 많은 사람들에게 더 많은 것이 된 적이 없다는 것입니다. 그리고 2010 년대 최고의 영화에 대한 일주일 동안의 축하 목록은 그들이 내일 당신에게 어떤 모습이 될지 그 어느 때보 다 더 흥분하게합니다.

한 주가 지나면 10 년 동안 최고의 공연, 장면, 악보 및 포스터 목록과 지난 10 년을 형성 한 뉴스 기사의 타임 라인, 모든 것을 만든 영화 제작자 와의 인터뷰를 게시 할 것입니다. 일어난다 .

그러나 지금은 IndieWire가 2010 년대 최고의 영화 100 개 목록으로 시작하게 된 것을 자랑스럽게 생각합니다.

인히어런트 바이스

“Inherent Vice” (Paul Thomas Anderson, 2014)

너무 빽빽하고 흐릿해서 폴 토마스 앤더슨의 영화 중 가장 과소 평가 될 운명 인 "내재적 바이스"는 시청할 때마다 조금씩 더 선명 해지는 후기 자본주의의 안개를 헤쳐나가는 느와르 오디세이입니다. 조금 더 슬프다. 색이 바랜 엽서처럼 촬영되고 원본 자료가 필요로하는 현실에서 벗어나지 않은이 희귀 한 Thomas Pynchon 각색은“The Long Goodbye”와 같이 햇볕에 얼룩진 LA 느와르에서 많은 것을 빌려 왔지만 Philip Marlowe보다 더 어리 석고 감상적입니다.

장르 전통에 따라, 중심 미스터리는 실제로 모두 함께 묶인 여러 다른 미스터리입니다. 헤로인 중독자의 실종 된 남편이 부동산 개발 업체 인 Mickey Wolfmann과 자신을 Golden Fang이라고 부르는 마약 카르텔과 어떤 관련이 있는지 잘 풀기 위해 행운을 빕니다. 그러나 줄거리를 따르기가 어려울 수 있지만 PTA는 영화의 감정적 토대를 Doc Sportello의 캘리포니아 해안선에 대한 관점만큼 분명하게 만들어 보상합니다.

히피 피 스포 텔로 (화려하게 황홀한 호아킨 피닉스)와 그의 전 애인 (쓴 캐서린 워터 스턴) 사이의 잃어버린 사랑은 단 몇 장의 짧은 장면에서 아픔을 느끼게 잘 실현되는 반면, 쇠퇴하는 국가의 만연한 감각은 다음과 같은 분위기로 가득 차 있습니다. 너무나 많은“패 출리 방귀”(여유 할 수십 가지가있는 영화에서 최고의 모욕 중 하나를 빌려 옴). "Boogie Nights"와 미국의 가능성에 대한 환상은 잊어 버리세요. "Inherent Vice"는 이미 우리에게서 멀어지게했다는 느낌에 잠복합니다. 우리 모두는 우리 자신의 꼬리를 쫓고 안개가 타기를 기다리고 있다는 느낌입니다.

더 론리스트 플래닛

“The Loneliest Planet” (Julia Loktev, 2011)

줄리아 록 테프의 내러티브 데뷔“Day Night Day Night”는 뉴욕시 거리를 방황하는 자살 폭탄 테러를 뒤따른 느린 연소 스릴러에 대한 날카로운 수정 주의적 접근 방식이었습니다. '외로운 행성'은 조지아의 광야에서 휴가를 보내고있는 변덕스러운 커플 (Gael Garcia Bernal과 Hani Furstenberg)이 그들의 관계의 본질을 바꾸는 총구에서 갑작스런 공격을 당하면서 영화 제작자의 독특한 스토리 텔링 본능을 조용한 환경에 이식했습니다. 만남은 단 몇 초 동안 지속되지만 캠프 참가자들이 한 위치에서 다음 위치로 돌아 다니면서 함께 미래와 해결 방법에 대해 불확실함에 따라 그 무언의 영향이 지속됩니다.

몇 년 후 Ruben Östlund는 대단한 다크 코미디 "Force Majeure"로 비슷한 지형에 들어 갔지만 Loktev는 순수한 영화 용어로 그녀의 수수께끼를 조사합니다. 그녀의 영화는 신뢰와 동반자 관계에 대한 가정을 다룹니다. 공개적으로 강요하지만 주제를 완전히 밝히지는 않습니다. 긴장감이 이야기 속으로 튀어 나와 마치 열린 상처처럼 거기에 앉아 있으며, 그 놀라운 공연은 각 불안한 장면의 풍부한 주제 깊이를 다룹니다. Loktev는 그 이후로 영화를 만들지 않았지만, 그녀의 두 가지 특징은 현재이 순간의 독특한 불안을 이야기합니다. 시스템에 갑작스런 충격을 경험 한 다음 낙진에 머물며 다음에 무엇을해야할지 불확실합니다.

위대한 개츠비

“The Great Gatsby” (Baz Luhrmann, 2013)

Baz Luhrmann의 영화에는 맥박이 너무 많아서 시청이 끝나면 혈류에있는 것처럼 느껴집니다. 어떤 사람들이 그들을 싫어하는 것은 당연합니다. 그러나 그들의 파장에 도달 할 수 있다면 더 순수하게 영화적인 것은 없습니다. "The Great Gatsby"는 Luhrmann의 스타일이 가장 강력한 본질로 증류 된 것으로, 각색보다는 Scott Fitzgerald의 소설을 닮은 시각적 컨셉 앨범입니다. 1974 년의 Francis Ford Coppola가 각색 한 "Gatsby"보다 "Lemonade"및 The National의 "I Am Easy To Find"와 더 많은 공통점이 있습니다. Leonardo DiCaprio의 Jay Gatsby는 Jay-Z 일 수도 있습니다.Gatsby (Jay-Z는 Luhrmann의 영화 제작자였으며 여러 트랙을 기고했습니다), 시적 행진을 가진 자체 제작 갱스터는 내부의 구멍을 채우기 위해 엄청난 감각을 경험했습니다. Luhrmann은 망막을 압도 할 수있는 충분한 감각을 프레임에 넣습니다.이 영화는 이번 10 년 동안 3D 출시를 정당화하는 3 ~ 4 편의 영화 중 하나이며, 당신을 삶의 선두 자리에, 그리고 머리를 향해 경주하는 사회의 선두에 서게합니다.

올 디즈 슬립리스 나이츠

“All These Sleepless Nights” (Michal Marczak, 2016)

지난 10 년 동안 논픽션 영화가 관습에서 벗어나 대담한 결과를 낳는 것을 보아 왔기 때문에 RaMell Ross와 Robert Greene과 같은 미래 지향적 인 인물은 형식을 밀어 붙였고 다큐멘터리 영화 제작자가 단순한 예술이 아니라 영광스러운 기자 또는 역사가. "잠들지 않는 모든 밤들"로 폴란드의 감독 인 Michal Marczak은 사실과 발명의 경계를 모호하게하지 않고 해가 뜰 때까지 춤을 추었습니다. 이분법 적 또는 혼 성적 구별이없는, 아름답고 목적이없는 바르샤바 젊은이들의 방황하는 초상화는 Terrence Malick과 프랑스 뉴 웨이브의 불안한 정신 사이 어딘가에 편안하게 자리 잡은 분류 할 수없는 경이로 통합되었습니다.

이번 10 년 동안 Marczak이 카메라를 통해 포착 할 수 있었던 씁쓸한 행복감에 빠진 것은 없었습니다. 감독은 자신의 캐릭터가 텅 빈 도시의 거리를 빙빙 돌릴 때 촉발되는 순간적인 순간을 추적하기 위해 자신이 직접 디자인 한 커스텀 장비를 사용했습니다. 서로의 삶을 통해 춤을 춥니 다. 핸드 헬드 미학보다 훨씬 더 정교하고 만족스러운 시네마틱 언어를 만들어 오늘날의 대본에 등장하는 많은 인디가 다큐멘터리 영화 제작에서 이주합니다. "All This Sleepless Nights"는 지금부터 수십 년이 지나면 광년이 앞선 것으로 인식하게 될 기적적인 영화입니다.

Girl Walk//All Day

“Girl Walk // All Day” (Jacob Krupnick, 2011)

2010 년대는 일반 사람들이 자신의 콘텐츠를 촬영하고 공유 할 수있는 능력이 마이크로 예산 영화의 거대한 물결에서 오래된 규칙을 씻어 낼 수 있었기 때문에 실행 및 총 DIY 영화 제작의 새로운 시대를 약속했습니다. 그렇게되지는 않았습니다. iPhone은 다큐멘터리에게 귀중한 자원이되었지만 (그리고 Vine 및 YouTube와 같은 플랫폼에서 신진 아티스트 세대를위한 창의적인 골드 러시) 장편 소설은 소비자 급 디지털 기술의 매력에 거의 영향을받지 않았습니다. Sean Baker (및 "High Flying Bird"의 Steven Soderbergh)는 큰 화면 수준에서 작동하도록하는 방법을 찾았지만, 포켓 크기의 카메라의 가공되지 않은 즉석 성이 그들이 말하는 이야기를 제공했기 때문입니다.

그리고 나서 Jacob Krupnick 감독이 나머지 세계가 아직 스스로 알아 내지 못한 것을 인식했기 때문에 존재하는 환상적이고 행복한 병 속 조명의 작품 인 "Girl Walk // All Day"가 있습니다. 공적 공간과 사적 공간의 경계가 영원히 지워지려는 시대에 예술은 언제 어디서나 누구에게나 일어날 수 있습니다.

걸톡의 매시업 앨범“All Day”를 활기 넘치는 현대 발레의 사운드 트랙으로 사용하고 맨해튼 전체를 무대로 한 끝없이 다시 시청할 수있는 Vimeo 키치,“Girl Walk // All Day”는 반항적 인 젊은이로 시작됩니다. 무용수 (두려움없는 모이라 시어러의 가치가있는 Anne Marsen)는 답답한 바레 수업에서 탈출하여 도시를 가로 질러 그녀를 따라 가며 사랑의 삼각 관계를 촉발하고 자동화 도시에 생명을 불어 넣습니다. Kickstarter를 통해 자금을 지원하고, 온라인으로 직접 공개되고, 의지에 따라 구부러지는 도난 장소 (예 : 페리, Apple Store, Central Park)로 가득한이 영화는 물리적 공간과 디지털 공간을 구분하는 거울을 통해 즐거운 여행을합니다. 세상은있는 그대로, 우리는 그것을 만들 수있는 힘을 가지고 있습니다.

아버

“The Arbor” (Clio Barnard, 2010)

Clio Barnard는 다큐멘터리 속임수로 내러티브 비유를 훌륭하게 조합하여 영국 극작가 Andrea Dunbar의 복잡한 이야기를 그녀가 상상 한 그날만큼 신선한 영화에서 이야기합니다. Dunbar의 같은 제목의 연극에서 이름을 딴 Barnard는 무대적인 레크리에이션과 다양한 배우를 사용하여 Dunbar의 매우 거친 육성 및 성공에 대한 흔들리지 않는 열망을 풀고 Dunbar와 그녀의 가족의 실제 인터뷰와 립싱크합니다. 주로 딸 로레인과의 관계에 초점을 맞춘 "The Arbor"는 겉보기에 기본적인 이야기를 사용하여 매우 독창적이고 독특한 스토리 텔링 자만심을 표현합니다. 각 드라마는 자신의 말과 힘을 가질 수 있으며 Barnard는 놀라움에 실패하지 않는 보상 방식으로 그것을 포용합니다.

해피 아워

“Happy Hour” (Hamaguchi Ryūsuke, 2015)

"해피 아워"는 5 시간 길이지만 시청을 시작하기 전까지는 많은 소리가납니다. 작가 겸 감독 하마 구치 류스케 (Hamaguchi Ryūsuke)를 세계 무대에 론칭 한이 부드러운 국내 작품은 일본 고베에있는 4 명의 중년 여성의 삶에 편해지며, 일상의 사소함을 미키오처럼 뻗어있는 풍부한 모자이크로 교차시킵니다. 디지털 비디오의 무한한 시대에 그가 살아 있다면 Naruse는 만들 것입니다.

하마 구치의 절묘한 배우들이 25 년의 역사를 즉시 확신 할 수있는 유대감을 형성하면서 영화는 시작되는 순간부터 흡수됩니다. 이 캐릭터들은 모두 자신의 일을 통해 일하고 있지만 (한 명은 이혼을 구하고, 다른 한 명은 시어머니를 수용하기 위해 고군분투하고 있습니다) 우리 모두와 같은 방식으로 일하고 있습니다. 조용히, 마치 커튼 뒤에 숨은 채로 공연을하려고하는 것처럼. 하나의 거대한 세트에서 다른 세트로 이동하는“Happy Hour”는 우리에게 느낌과 표현의 차이를 발견 할 시간을줍니다. 결국 가장 덧없고 평범한 순간조차도 전 세계를 포함하는 것 같습니다.

Mother of George

“Mother of George” (Andrew Dosunmu, 2013)

파괴적이고 눈부신 Andrew Dosunmu의 브루클린 세트의 획기적인 드라마는 새 남편 (Claire Denis와 Jim Jarmusch가 가장 좋아하는 Isaac de Bankolé)과 함께 아이를 임신하기 위해 고군분투하는 나이지리아 여성 (뛰어난 Danai Gurira)의 이야기를 들려줍니다. 나이지리아 이민자들의 삶과 관습에 빛을 비추는 희귀 한 영화 "조지의 어머니"는 나이지리아 계 미국인이자 패션 사진 작가로서의 배경을 최대한 활용하고 촬영 감독이 화려하게 촬영 한 Dosunmu가 정교하게 연출했습니다. 여기에서 자신의 작업을 활용하여 "Selma"및 "Arrival"과 같은 사진을 촬영할 수있는 Bradford Young. 그러나 영화의 아름다움은 결코 이기적이지 않습니다. 도선 무는이를 통해 사랑의 힘과 배신의 가능성을 밝히는 렌즈로 사용한다. 그 두 에너지가 전통의 무게와 근대성의 끌림 사이에 갇힌 여성을 통해 흘러 나가기 때문이다. 큰 화면을 위해 만들어졌지만 여전히 많은 관객을 기다리고있는 "Mother of George"는 이번 10 년 동안 최고의 영화 중 하나 일뿐만 아니라 다음 영화의 최고의 발견 중 하나가 될 것입니다.

스파이더맨: 뉴 유니버스

“Spider-Man: Into the Spider-Verse” (Bob Persichetti, Peter Ramsey & Rodney Rothman, 2018)

열렬한 팬에게 보람을 느끼는 스파이더 신인을 초대하는이 오스카상을 수상한 Spider-Man 캐논의 커브 볼은 재미 있고 감동적이며 눈이 튀는 애니메이션과 레이어드 스토리 라인과 관련하여 세 심하게 제작되어 거의 불가능 해집니다. 영화의 중심에있는 Afro-Latino Brooklyn 고등학생 인 Miles Morales를 돌보기 위해. 마일즈가 시작하는 스릴 넘치는 차원 간 여정은 그가 그 길을 따라 만나는 다른 스파이더 히어로들 (피터 파커, 그웬 돌린 스테이시, 스파이더 맨 누아르 포함)에 의해 더욱 재미있게 만들어집니다. 목적과 배려. "Into the Spider-Verse"는 영웅이 외모에 필요한 한 가지 방법이나 그들이 필요로하는 특정 배경이 없다는 생각을 강조하며, 쉽게 수행 할 수없는 방식으로 그렇게합니다.

화염의 바다

“Fire at Sea” (Gianfranco Rosi, 2016)

유럽의 계속되는 난민 위기의 중심을 친밀하고 냉정하게 바라본 Gianfranco Rosi의“Fire at Sea”는 여전히 저녁 뉴스만큼 시급하다고 느낍니다. 실제로 이와 같은 대부분의 영화는 다음과 같은 원시 가치에 굴복했을 것입니다. 공공 서비스. 하지만 오스카상 후보에 오른이 다큐멘터리는 영화의 시학에 뿌리를두고있는 순수한 Rosi입니다.

“바다의 불”은 졸린 지중해 섬인 람페 두사에 사는 10 살 소년 사무엘의 관점에서 주로 이야기됩니다. 사무 엘레가 침실에서 볼 수있는 바로 너머의 바다에서 구조선이 유럽 해안에 도착하려는 수백 명의 필사적 인 난민을 구하기 위해 노력하면서 거의 일상적인 삶과 죽음의 전투가 벌어집니다. Rosi에게 사무엘의 독립된 우주와 바다를 가로 질러 퍼져 나가는 인도 주의적 위기 사이의 이러한 병치 (근접하지만 세계는 떨어져 있음)는 현대 유럽에 대한 끔찍한 은유입니다. 그것은 표면에 단순한 연결이지만 Rosi가 그 아래에 숨어있는 생생한 느낌을 드러 낼 때까지 카메라로 잘라낸 연결입니다.

영화 제작자는 타이틀 카드, 음성 해설, 대화 헤드 인터뷰 또는 이야기를 더 큰 맥락에 넣을 수있는 공식 구성과 같은 설명 도구를 종교적으로 피합니다. 반대로 Rosi는 색상, 빛 및 구성 측면에서 자신의 영화를 생각합니다. 그는 몇 달 동안 피사체와 위치를 연구하여 스켈레톤 크루가 마침내 촬영을 시작하면 그들이 찾고있는 것이 무엇인지 알고 평생 집중된 감정을 포착 할 수있는 특정 프레임 내에서 찾을 수 있습니다. "Fire at Sea"는 Rosi의 접근 방식의 메스와 같은 정확성에 대한 심오하고 흔들리지 않는 증거입니다. 전 세계의 많은 사람들이 무시하고 싶어하는 공포에 휩싸이는 끔찍한 걸작.

프라이빗 라이프

“Private Life” (Tamara Jenkins, 2018)

뉴욕시의 오산 자극을하는 경향을 감안할 때 Kathryn Hahn과 Paul Giamatti가 이전에 서로 반대 경기를 한 적이없는 것은 놀라운 일입니다. Tamara Jenkins의“Private Life”에 대해 예측할 수있는 유일한 점은이 두 사람이 불임으로 고군분투하는 시내 부부로서 함께 절대 불이 붙었다는 것입니다. 현대 생활의 특정 비탄을 표현하고 관찰하는 전문가 인 Jenkins는 오랫동안 기다려 왔던 세 번째 장편 인 신경증 적 열정 놀이를 노화의 모욕에 대한 무자비한 탐구로 만들었습니다. 그 과정은 그들의 ennui가 그들의 젊음과 숭배로 모든 것을 가능하게 만드는 거품이 많은 조카 (명예로운 Kayli Carter)에 의해 뒤집힌 후에이 캐릭터들에게 무한히 더 복잡해집니다. Jenkins의 뉘앙스 스크립트는 비탄, 유쾌함,

그녀들을 도와줘

“Support the Girls” (Andrew Bujalski, 2018)

레지나 홀은 바쁜 하루 동안 많은 일이 잘못되는 천박한 텍사스“breastauraunt”를 관리하는 진지한 여성에 대한 Andrew Bujalski의 감동적인 표정에 놀랐습니다. Bujalski의 일반적으로 차분한 캐릭터 기반의 스토리 텔링은 자유로운 공감을 통해 살아남은 어려운시기에 대한이 놀라운 검사를 통해 새로운 볼륨의 따뜻함과 감성을 가져옵니다. 싸구려 들릴지 모르지만 Bujalski는 "Support the Girls"가 다큐멘터리가 될 수있는 진정한 대화를 스크립팅하는 데있어 그런 마법사입니다. Hall의 매니저는 Bujalski의 가장 위대한 캐릭터 중 한 명인 인간 행동의 뉘앙스를 탐구하는 데 탁월한 영화 제작자의 지치지 않는 창작물로 만드는 강철 같은 결의로 각각의 새로운 도전을 저글링합니다.

"mumblecore"로 알려진 존재하지 않는 움직임에 집중되어 있지만 Bujalski의 지각적인 영화 제작은 항상 고유 한 등급으로 존재 해 왔습니다. 그는 일상적이고 고립 된 커뮤니티에 갇힌 기발하고 소외된 캐릭터를 포착하는 데 탁월하지만 ( "상호 감사", "결과") "Support the Girls"는 그 기술을 새로운 상징적 수준으로 끌어 올립니다. 옥상에서 외치는 세 명의 중앙 여성의 이미지는 유쾌함과 정서적 카타르시스가 혼합 된 시대 정신 주의자를 정의합니다. 그것은 미묘한 영화 감독이 그의 힘의 최고점에서 작동 할 때 일어날 수있는 일을 보여줍니다.

케빈에 대하여

“We Need to Talk About Kevin” (Lynne Ramsay, 2011)

Lynne Ramsay는 영화 제작자가 Lionel Shriver의 2003 년 같은 이름의 소설을 각색 한 "We Need to Talk About Kevin"에서 10 년 동안 가장 불안한 악몽 중 하나를 만들었습니다. 비선형적인 이야기는 아들 (브레이크 아웃 에즈라 밀러)이 어떤 종류의 끔찍한 비극을 저지르는 어머니 (틸다 스윈튼)를 중심으로하지만, 램지의 대본의 천재성은 그것이 트라우마의 층 아래 사실을 묻어 효과적으로 영화를 파쇄하는 방법에 있습니다. 폭력 행위 전후의 어머니의 감정 상태 사이. 편집자 Joe Bini와 함께 일하면서 Ramsay는 한 여성의 심리적 붕괴를 인상 주의적이면서도 뚜렷한 모습으로 만들기 위해 패션을 트리거하는 타임 라인 사이를 앞뒤로 이동합니다. Swinton의 섬세한 행동은 각 장면을 향한 유일한 것입니다. 그녀의 정신 상태를 촉각적인 종류의 지리로 바꾸어 놓으면 길을 잃기 시작하면 더욱 무섭게 커집니다. “우리는 케빈에 대해 이야기 할 필요가있다”는 엄격한 의미에서 공포 영화로 분류되지 않았지만 이번 10 년 동안 더 본능적으로 불안한 경험을 제공 한 영화는 거의 없었습니다.

허 스멜

“Her Smell” (Alex Ross Perry, 2018)

Alex Ross Perry의 작품은 항상 불쾌 할 수있는 용기를 가지고 있었지만, 그의 이전 작품 중 어느 것도 바닥을 치고 터널을 통과하기 전에 만든 가장 유해한 영화 중 하나 인“Her Smell”의 놀라운 신맛을 준비하지 못했습니다. 다른 쪽. 야성적이고 잊을 수없는 엘리자베스 모스 (Elisabeth Moss)가 마약 연료를 사용하는 Becky Something으로 주연을 맡은 매운 셰익스피어 서사시-그녀와 함께 그녀의 난동 grrrl 밴드의 나머지를 심연으로 끌고 다니는 것에 지옥처럼 보이는 여성의 가라 앉는 배-본질적으로 "그녀의 냄새" Danny Boyle의 "Steve Jobs"의 기본 구조를 취하여 Courtney Love의 삶과 시대를 전치합니다.

이 영화는 처음부터 끝까지 전신의 경험으로, 식은 땀으로 식는 360도 악몽입니다. 잔인한 첫 번째 장은 자존심과 중독으로 가득 찬 가스파르 노에 (Gaspar Noé)와 같은 형광등의 지하 세계를 통과하며, 클로징 액션은 자신의 피부에서 느낄 수있을 정도로 차가운 아침 서리로 응축됩니다. Moss는 Gena Rowlands와 Opera의 유령 사이에서 오줌을 뿜는 십자가처럼 영화를 밟으며, 그녀를 둘러싼 조연에는 캐릭터의 이중 생활로 사라지는 화려한 배우들이 쌓입니다. Sean Price Williams의 칙칙한 네온 영화 촬영과 Keegan DeWitt의 악보 공황 공격에 함께 얼룩진 Perry의 대작 작품은 개인 악마와 그들의 부수적 손상에 대한 카타르시스 초상화로 크레센도를 만듭니다.

케이트가 크리스틴을 연기하다

“Kate Plays Christine” (Robert Greene, 2016)

Robert Greene의 "Kate Plays Christine"을 이끄는 바로 그 자만심 속에는 불안하고 흔들리지 않는 진실이 담겨 있습니다. 누군가가 왜 자살을하는지 확실히 알 수는 없습니다. 그럼에도 불구하고 Greene의 매력적인 다큐멘터리와 내러티브 하이브리드는 배우 Kate Lyn Sheil에게 가능한 한 최선을 다해 그 미스터리를 풀도록 도전했습니다. 영화가 실생활의 비극을 풀면서 Sheil의 "캐릭터"가 영화에서 자신을 촬영 한 이유를 이해하려는 과정을 따라 생방송 텔레비전으로 향합니다.

1974 년 플로리다 새러 소타 지역 TV 방송국의 텔레비전 리포터 인 크리스틴 처벅은 아침 뉴스에서 자살함으로써 갑자기 평생의 불행을 끝냈습니다. "케이트가 크리스틴을 연기한다"는 처브 벅의 음란 한 이야기에 야심 찬 각도를 취해 사실과 허구를 혼합하여 실제로 존재하지 않는 내러티브 장편으로 처벅을 연기하기 위해 준비하는 여배우의 이야기를 제시합니다. Sheil은 자신의 고조된 버전을 구현하고 일련의 재연에서 Chubbuck을 구현해야합니다.

이 영화는 다층 구조가 영화의 근본적인 미스터리의 애매함을 강조하기 때문에 많은 근본적인 모조품을 장점으로 조정합니다. 실제 자살에 대한 소문이있는 테이프에 대한 강박적인 사냥을 포함하는 실망스러운 검색은 Greene의 궁극적 인 관심을 불러 일으킨다. 바로 진실의 애매한 본질과 다큐멘터리 형식 그 자체이다. Greene의 모든 영화는 논픽션 공연의 본질에 매료되어 있으며 Sheil과의 협업과 마찰은 지금까지 그의 경력에서 가장 도발적인 순간을 향하여 구축됩니다. Sheil은 청중이 어려운 답변에 대한 우리 자신의 필요에 직면합니다.

일루셔니스트

“The Illusionist” (Sylvain Chomet, 2010)

죄송합니다. "Toy Story 3", 금세기에 보게 될 애니메이션 영화의 가장 산산이 부서지는 결말은 "The Illusionist"의 잊혀지지 않는 코다입니다. Sylvain Chomet은 프랑스 만화 대가가 쓴 제작되지 않은 Jacques Tati 대본을 손으로 각색했습니다. Mon Oncle”및“Playtime.” 진부한 마술사와 자신의 마법이 진짜라고 믿는 고아 소녀 사이에 형성되는 섬세한 유대에 관해서는 일부 타티 학자들은 그가 어렸을 때 버린 딸에게 다가가려는 그의 시도라고 생각합니다.

논란이 영화의 개봉을 둘러싸고 있었는데, 타티가 스스로 만들지 않기로 선택했을뿐만 아니라 (그렇지 않으면 그가 남긴 딸을 공개적으로 인정하지도 않았 음), 영화는 계속해서 그녀의 존재를 지워 버리는 것처럼 보인다. 그것들은 타당한 비판이지만, 영화는 너무나 슬프기 때문에 정면으로 맞닥 뜨리는 것 같다. 마술사는 Tati가 실제 생활에서했던 것처럼 마침내 소녀를 버리고 그녀에게 단순히 "마술사는 존재하지 않는다"라는 메모를 남깁니다. 네, 당신이 듣는 그 소리는 가슴에서 당신의 심장이 찢어지는 것입니다. 뒤 따르는 느낌은 어쩐지 더 미묘하고 슬프지만 희망적입니다. 특히 우리가 더 이상 환상을 믿지 않을 때 우리는 여전히 환상이 필요합니다.

비스트

“Beasts of the Southern Wild” (Benh Zeitlin, 2012)

불꽃 놀이처럼 화면에서 튀어 나오는 탄력성과 자립에 대한 눈부신 찬양 인 Benh Zeitlin의 "Beasts of the Southern Wild"는 범위가 웅장하며 적당한 예산으로 촬영 한 데뷔작을 꿈꾸고 있습니다. 잊혀졌지만 도전적인 바유 커뮤니티에서 세상에서 벗어난 것처럼 보이는 6 살 소녀 Hushpuppy (당시 신인 Quvenzhané Wallis가 훌륭하게 연기)는 그녀의 나이보다 더 많은 아이들과 마주하게됩니다. 처리해야합니다.

관객은이 환상적인 세계에 심어 져 있으며 영화의 독특하고 호기심 많은여 주인공의 관점을 통해 탐색합니다. 영화의 성공은 전적으로 젊은 최초의 여배우가 캐릭터의 작은 신발을 채우라는 요청에 달려 있습니다. 오스카상 후보에 올랐던 Wallis는 자연의 작은 힘, 생생한 카리스마로 가득 찬 주전자의 폭풍우와 세상이 그녀에게 던질 수있는 모든 것에 대한 굶주림입니다. Zeitlin과 Lucy Alibar의 이야기와 Dan Romer의 악보 (Zeitlin도 공동 집필)의 폭격과 함께 Wallis는“Beasts of the Southern Wild”를 새로운 종류의 현대 미국 민속으로 발전시키는 데 도움을주었습니다.

Synonyms

“Synonyms” (Nadav Lapid, 2019)

나다 브 라 피드의“동의어 (Synonyms)”는 자신을 다른 사람으로 대체하려는 폭력에 대한 단 한 번의 모험으로, 놀랍고, 화나고, 화려하고, 유쾌하고, 완고하고, 완전히 필수적인 영화입니다. “Waltz with Bashir”이후로 영화는 이스라엘 정체성에 대한 명쾌하고 자기 혐오적인 초상화를 제작 한 것이 아닙니다. '토니 에르 드 만'감독 마렌 에이드가 공동 제작, 자신이 실수로 중동에서 태어 났다고 믿고 파리로 도망친 젊은 병사로서 라 피드 자신의 경험을 바탕으로 한 '경찰관'영화 감독의 세 번째 장편이 강화됐다. 사람을 자국에 묶는 불가능한 매듭에 대한 그의 경력에 대한 매혹.

최초의 배우 Tom Mercier는 히브리어의 다른 단어를 절대로 말하지 않겠다는 서약을 가지고 파리에 도착한 20 대 요 아브 역으로 10 년 동안 최고의 (또는 최소한 가장 노출 된) 브레이크 아웃 공연 중 하나를 제공합니다. 아아, 그가 함께하는 부유 한 젊은 부부는 Yoav가 자신을 정리하기가 쉽지 않습니다. 넓은 스트로크로 그의 이야기는 이스라엘인으로서 오는 짐을 짊어 지는데 지친 남자의 흔들리지 않는 이야기가되고, 태어난 곳으로 사람들을 강제로 식별하는 세계에 의해 광기 직전까지 몰려 든다. 그것은 생생하고 비타협적 인 이야기이며 올 가을 극장을 강타 할 때 매혹적인 똥 폭풍을 불러 일으킬 것입니다. -

선셋 송

“Sunset Song” (Terence Davies, 2015)

Lewis Grassic Gibbon의 1932 년 소설“Sunset Song”은 40 년 넘게 Terence Davies 안에서 부풀어 오르고 있었으며, 그의 프로젝트를 스크린으로 가져 오는 과정에서 거의 종교적인 고통을 겪고있는 민감한 영국 영화 감독은 거의 오래 예약하십시오. 어떤 것들은 기다릴 가치가 있습니다.

“Sunset Song”은 키 큰 애버딘 셔 농장 소녀 Chris Guthrie (웅장한 Agyness Deyn)가 그녀와 함께 거두려고하는 어떤 남자보다 가족의 땅에 더 가깝다고 느끼는 애버딘 셔의 키 큰 소녀에 대한 평범한 전쟁 1 차 시대 이야기를 제공합니다. 멋진 65mm 영화 촬영법 덕분에 그 애착을 쉽게 감상 할 수 있습니다. 내러티브가 서서히 신화 속으로 녹아 내리면서 영화는 부드러운 아름다움을 축적하고, 전쟁이 진행됨에 따라 크리스는 여성 스러움과 용서의 불멸의 상징 이라기보다는 개별 여성이되지 않는다.

생략하여 조각하고 시간 사이의 시간 사이에 터무니없는 끔찍한 이야기를 전하는 데이비스에게는 자연스러운 진행이었습니다. 그의 영화는 기억에 뿌리를두고 향수에 휩싸여 극도로 기억 된 과거와 그 여파로 남겨진 참을 수없는 고통스러운 현재 사이에 갇혀있다. Chris와 함께 그는 뼈의 탈구를 느끼는 캐릭터를 발견했으며, 그녀의 뿌리의 힘이 아니라면 그 고통을 견딜 수 없을 것입니다. “땅 외에는 어떤 것도 견디지 못했습니다.”그녀는 자신을 지구 자체로 승화시켰다. “바다, 하늘, 그곳에 살았던 사람들은 숨을 쉬었습니다. 그러나 땅은 견뎌냈습니다. 그리고 그녀는 자신이 땅이라는 것을 느꼈습니다.”

하이 라이프

“High Life” (Claire Denis, 2018)

여러 측면에서 매혹적이며 애매한 "High Life"는 작가 겸 감독 인 Claire Denis에게 처음으로 등장했습니다. 그녀의 첫 번째 영화는 주로 영어로 촬영되었고 첫 번째는 우주를 배경으로 촬영되었으며 그녀의 첫 번째 영화는 “The Fuckbox”라고 불리는 금속 실 내부에서 Juliette Binoche를 따라가는 영화. 세계 최고의 여배우가 은하계 감옥에서 미친 과학자를 연기하여 지구에서 가장 가까운 블랙홀로의 편도 여행을하며 거대한 딜도 의자에 걸터 앉습니다. 태양의 서커스 루틴의 고문 에너지가 부여 된 장면에서 격렬하게 자위합니다.

미래 (또는 그것의 부족)와 씨름하고 우리 모두 앞에 펼쳐진 흑요석 어둠에 사로 잡힌 비스듬하고 얼어 붙은 공상 과학 덩어리, "하이 라이프"는 무시 무시하고 뭉쳐진 검은 우주 오디세이 "Trouble Every Day"와 "Beau Travail"뒤에있는 마음에서 예상 할 수 있습니다. 그러나 데니스의 천재성은 가장 묵시적인 상황에서도 부드러운 지점을 찾는 능력에 있으며, 그녀의 지난 10 년 최고의 영화는 망각을 향해 솟아 오르면서 빛과 희망을 찾는 방법에 대해 더욱 강력합니다. 또한 Pattinson이 우리 자신의 똥을 먹는 위험에 대해 경고하는 장면이 있습니다. 더 많이 알수록!

노 홈 무비

“No Home Movie” (Chantal Akerman, 2015)

집이라는 개념은 항상 Chantal Akerman의 40 년 작품의 중심에 있었기 때문에 그녀의 최종 영화는 깊은 탐구심을 갖게되었고, 10 월에 영화 감독이 자살하기 전부터 절정의 느낌을주었습니다. 2015. 다큐멘터리는 Akerman의 어머니 나탈리의 생애 말기 초상화입니다. 나탈리가 홀로 코스트 생존자로서의 경험과 입양 된 브뤼셀의 집에서 이민자로서의 경험에 대해 Skype와 그녀의 부엌을 통해 일련의 친밀한 대화에서 Akerman은 그녀의 어머니의 본질과 기억을 카메라에 담으려고 시도합니다. 사람들은 디지털 기술의 확산 이후 병든 사랑하는 사람들과 함께 해왔습니다.

그러나 Akerman이 어머니가 돌아가신 후 40 시간이 넘는 영상에서 편집 한“No Home Movie”는 단순히 보존 행위가 아닙니다. 반대로, 영화는 아 케르 만의 뿌리없는 존재에 대한 또 다른 날카로운 시험 속으로 신랄하게 침식됨에 따라 자화상에 더 가까워진다. Akerman이 항상 뽑아 냈던 몇 가지 실을 함께 묶어“No Home Movie”는 평생 유목 생활을 고개를 끄덕이며 어머니가 그녀의 상수로서 수행 한 복잡한 역할을 분석합니다. Akerman은 Natalie를 그녀의 고립에서 벗어난 사이렌의 외침으로 보았고 (1977 년의“News from Home”참조),“No Home Movie”는 수십 년간의 영화 적 긴장감을 반영하는 방식으로 두 여성을 대면합니다.

형식 주의자였던 Akerman은 “홈 무비 없음”은 홈 무비의 정신으로 촬영되었다고 말했습니다.“내가이 일을 할 줄 알았다면 감히 그렇게 할 수 없었을 것입니다. ” 그러나 Akerman은 영화의 제목이 우리에게 알려주는 것과 상관없이 홈 무비 형식의 요소를 수용함으로써 영화를 너무나도 명확하고 예리하게 만들어 마치 붙잡고 놓아주는 행위처럼 느껴졌습니다. "No Home Movie"는 사랑하는 사람과 예술가 모두에게 작별 인사를하는 느낌을 완벽하게 표현한 것입니다.

쿠미코, 더 트레져 헌터

“Kumiko, the Treasure Hunter” (David & Nathan Zellner, 2014)

“보물 사냥꾼 구미코”에 대한 어떤 것도 그 위대함에 대해 관객을 준비시킬 수 없었습니다. "파고"의 전제가 진짜라고 믿고 얼어 붙은 미네소타에 묻힌 보물을 찾기로 결정한 외로운 일본 여성 (키쿠치 린코)에 관한 이상한 전제가 아닙니다. Bunzo라는 토끼 조수와 Kumiko가 말하는 단어를 이해할 수없는 다양한 괴상한 캐릭터를 포함하는 그녀의 여행의 기발한 성격이 아닙니다. 그리고 형제 자매 감독 인 David와 Nathan Zellner의 이전 작품에는 아무것도 없습니다. 오스틴 감독들은이 다소 큰 규모의 노력을하기 전에 수년 동안 초현실적 인 다크 코미디를 조용히 만들어 왔지만, 영화는 그녀의 이상한 원인에 동정하는 판타지에 소비 된 한 여성을 우울한 표정으로 새로운 색조로 향한 그들의 장난스러운 스토리 텔링을 가져 왔습니다.

알렉산더 페인이 총괄 프로듀서로 계약 한 것은 당연합니다. 그의 최고의 작품처럼“쿠미코”는 중미 신화에서 이상하고 멋진 것을 발견합니다. 심지어 그 신화에주는 것이 종종 가혹한 현실 점검으로 이어질 수 있음을 인정합니다. 쿠미코의 궁극적 인 운명은 대중 문화의 경계 안에서 살아가는 것이 당신을 산채로 먹어 치울 때까지 살아가는 것이 무엇을 의미 하는지를 훌륭하게 요약 한 것입니다. Bunzo는 종종 쇼를 훔칠 수 있지만 Kumiko는 지난 10 년 동안 가장 기억에 남는 영화 적 곤경 중 하나로 꼽히는 유일한 캐릭터로, 하나의 위대한 이야기의 우주를 구축하고 그 과정에서 또 다른 이야기를 만들어냅니다.

인사이드 아웃 (Inside Out)

“Inside Out” (Pete Docter, 2015)

루이스 블랙을 분노의 밝은 빨강의 의인화로 캐스팅 한 정서적 캐리커처를 바탕으로 한 영화가 최근 기억에서 어린 시절의 가장 정확하고 미묘한 묘사 중 하나라는 것은 설명 할 수없는 성과로 남아 있습니다. 픽사는 어린 소녀의 마음 속에서 기쁨, 공포, 분노, 슬픔, 혐오감이 상호 작용하는 것을 보면서“단순한 이야기, 복잡한 캐릭터”만트라를 새로운 차원으로 끌어 올렸습니다. 진부한 "Herman 's Head"업데이트는 궁극적으로 상반된 감정이 공존 할 필요성을 축하하는 역할을합니다. 완벽하게 캐스팅 된 감정은 적절한 복용량으로 제공되고 개그 ( "축하합니다, 샌프란시스코, 피자를 망쳤습니다!")는 격자없이 웃기 며 영화는 슬픔이 하나라는 놀랍지 만 분명한 결론을 얻습니다. 삶의 필수적인 부분.

최선을 다해 Pixar는 아이들에게 속지 않고 아이들을 즐겁게하는 애니메이션 영화를 제작합니다. 그러나 몇 년의 거친 속편과 현금을 확보 한 후 관객들은 스튜디오가 터치를 잃었는지 묻는 것에 대해 비난받을 수 없습니다. 그런 다음 "Inside Out"이 나왔습니다. 11 세 소녀의 마음을 탐험 할만한 가치가있을만큼 복잡하게 보이게하고, 즉시 잡을 수있는 플롯 장치로 그렇게함으로써 스튜디오는 브랜드 약속을 이행 한 다음 일부를 달성했습니다. 결코 도덕적이라고 느끼지 않는 Technicolor 활에 싸여있는 "Inside Out"은 Pixar가 미국 대중 문화에서 지속적으로 자리 매김 할 수있는 가장 매력적인 주장입니다.

더 수베니어

“The Souvenir” (Joanna Hogg, 2019)

호사스러운 Anthony (Tom Burke)가 별이 빛나는 눈동자 (브레이크 아웃 Honor Swinton Byrne)와 잘 어울리지 않는다는 데는 의심의 여지가 없습니다. 첫 데이트는 그녀의 영화 제작 야망을 그녀의 얼굴에 모욕하고 그녀를 고급 시장으로 끌어들입니다. 참여하는 데 관심이 없습니다. 그리고 아직. 영화 제작자 Joanna Hogg의 영화 학교 시절을 느슨하게 기반으로 한 자신의 비틀 거리는 로맨스로 완성 된“The Souvenir”는 어렸을 때의 선택이 어떻게 영향을 미칠 수 있는지 전혀 모르는 젊고 멍청한 느낌을 재현합니다. 남은 인생.

호그가 덤불 꼬리를 가진 줄리가 조심스러운위원회에 영화 아이디어를 제시하면서 영리하게 영화를 시작하면서 Julie가 어려운 방법으로 배울 수있는 교훈입니다. 그녀는 그 영역에서 경험이없고 그곳에서 찾을 수있는 것에 대해 슬프게도 준비가되어 있지 않다는 것이 매우 분명 할 때, 소외된 커뮤니티를 따라 무언가를하고 싶어합니다. Julie가 발작을 일으키고 시작하고 Anthony가 이전에 믿었던 것보다 훨씬 더 적합하지 않다는 것을 드러내면서 다가올 일의 무대를 설정하는 회의입니다. 간단히 말해서 "The Souvenir"는 늦게 피어나는 성인 이야기를 통해 들려주는 불운 한 로맨스에 관한 이야기지만, 대중 문화가 아무리 많아도 우리가 결코 그런 것들에서 결코 성장하지 않는 방법에 관한 것입니다. 영화처럼! — 우리가 다르게 믿도록 강요합니다. 남겨진 것, 흉터와 기억,

흔적 없는 삶

“Leave No Trace” (Debra Granik, 2018)

요즘은 그 어느 때보 다 세상을 멈추고 떠나고 싶은 유혹이 있습니다. Ben Foster의 삶을 끝낸 Will처럼 PTSD를 견디는 전쟁 베테랑 일 필요는 없습니다. 그와 그의 딸 톰 (놀라운 Thomasin McKenzie)은 현대 생활의 압력과 타협과 그것이 요구하는 적합성에 의해 타락하지 않고 숲에 살고 있습니다. 그러나 그는 심하게 손상을 입었고 Tom은 교육을 받고 머리 위에 적절한 지붕을 가질 자격이 있습니다. “Winter 's Bone”이후 Granik의 유일한 내러티브 장편은 10 년 동안 가장 강력한 장면 중 하나를 구축하며, 이는 영화 제작자가 배우의 가장 조용한 제스처에서 감정을 이끌어내는 데 능숙 함을 입증하는 순간입니다. 그녀는 모순적으로 보이는 것들이 동시에 사실 일 수 있다는 것을 이해하고 그것이 어떻게 공감의 열쇠가 될 수 있는지 보여줍니다.

스타 이즈 본

“A Star Is Born” (Bradley Cooper, 2018)

밈을 제쳐두고, Bradley Cooper의 "A Star Is Born"의 핵심 장면은 약간 분노한 Lady Gaga가 Cooper의 회색 빛 자갈이 가득한 Jackson Maine의 마지막 모습을 받아들이 기 위해 돌아서는 것을 포함하지 않습니다. 아직 수줍은 앨리 (가가)가 자정 주차장 한가운데에서 이미 숙취를 앓고있는 잭슨 메인 (쿠퍼) 앞에서 오리지널 노래를 울릴만큼 몸을 펌핑 할 때의 바로 직전입니다. 작곡가가 음악계의 명백한 위대한 재능 중 한 명과 함께 할 일의 장점에 대해 토론하는 것을 볼 수 있습니다. 악당과 위스키에 젖어 있고 이미 절반 이상은 그녀와 사랑에 빠진 후 그녀는 그냥… 몇 분 후, 그녀는 수천 명의 비명을 지르는 팬들 앞에서 똑같은 일을 할 것이며, 앞으로 나올 내용을 아는 것은 물론“Shallow”라고해서 시퀀스의 힘을 희석 시키지는 않습니다.

4 편의 영화에서 "A Star Is Born"은 항상 명성 궤적에 대해 두 갈래의 접근 방식을 제시했지만, 한 스타는 그녀가 떠오르고, 다른 하나는 떨어질 때 쿠퍼의 영화는 잭슨에 대한 것보다 앨리에 관한 것입니다. . (초기 영화 3 편 이후에 잭슨에 관한 것이라고 부를 수 있다면 영화의 주요 트위스트는이 구부러진 부분을 손상시키지 않습니다.) 가가는 도전을위한 것 이상이지만 영화의 관대함은 쿠퍼의 어려운 승리로 이어집니다. Sam Elliott 및 Andrew Dice Clay와 같은 다양한 플레이어의 턴을 지원합니다. 매 순간, 모든 숨결, 모든 모습이 중요한 (감사합니다, 촬영 감독 매튜 리바 티크) 영화는 감동적인 사운드 트랙과 멋진 풍경으로 설정되어“오, 봐, 내 첫 영화 야”질투 포인트를 더했다. 하지만 여기에 질투 할 것은 없습니다. 왜냐하면 영화가 관객의 눈물을 짜 내면 – 그들 역시 힘들게 얻었습니다 –이 이야기가 여전히 그렇게 영향력을 행사하고 있다는 것이 의아 스러울뿐입니다. 어떤 별은 영원히 빛납니다.

스타워즈: 라스트 제다이

“Star Wars: The Last Jedi” (Rian Johnson, 2017)

“영웅은 일반적으로 자신의 희생에 대한 보상을 거의 얻지 못합니다. 얻는 것은 커뮤니티입니다. "영웅주의를 선택하는 것은 고통, 희생, 상실, 때로는 죽음까지 선택하는 것입니다." "The Last Jedi"에서 Star Wars 시리즈는 이전에는 없었던 "영웅의 여정"의 비극적 인 토대와 씨름했습니다.

원작 이후 40 년이 지난 지금 무용담은 자랐고 일부 팬들은 그것을 감당하지 못했습니다. Rian Johnson의 가장 대담한 시네마틱 스트로크로 렌더링 된이 가장 신화적인 스타 워즈 영화에서 루크 스카이 워커에게는 그 어느 때보 다 기쁜 일이 없었습니다. 그러나 그는 제다이의 가장 순수한 이상에 부응합니다. 다스 베이더와의 마지막 전투 에서처럼, 그는 자신의 희생이 적의주의를 분산시키고 그의 사랑하는“커뮤니티”가 생존 할 수 있도록 허용한다는 것을 깨닫고 광선 검을 버립니다. John Williams는 Wagnerian panache와 이전 7 편의 모든 영화의 leitmotif를 혼합했습니다. "Rey 's Theme"가 최종 전투에서 "A New Hope"의 "Attack of the TIE Fighters"로 급격히 용해 될 때 흔들리지 마십시오. 그리고 DP Steve Yedlin 감정의 폭발을 만들기 위해 여러 키 세트에 붉은 색을 뿌렸다. 이 수준의 야망, 아름다움 및 공명을 위해 더 많은 블록버스터가 촬영되면 영화가 어떻게 될지 상상하고 싶을 것입니다. 이 크기 중 하나가 그것을 달성 할 수 있었다는 것은 거의 헤아릴 수 없습니다.

라라랜드

“La La Land” (Damien Chazelle, 2016)

쿠엔틴 타란티노와 마찬가지로, 작가 겸 감독 인 데미안 샤젤은 과거와 현재를 모두 풍요롭게하는 방식으로 통합하는 방법을 직감하는 드물고 강박 적으로 재능있는 작가이자 감독입니다. 오스카상을 수상한 재즈 드라마 "Whiplash"의 후속작 인 "라 라 랜드"와 함께 비판적으로 찬사를받은 샤젤은 프랑스의 노래와 춤 뮤지컬 "셰르 부르의 우산"과 "레 데모 아젤"의 다채로운 소용돌이를 마법처럼 현대화했습니다. de Rochefort”뿐만 아니라“New York, New York”및“Singin 'in the Rain”과 같은 무대 뒤의 Technicolor 안경. 초현대적이면서도 뻔뻔스럽게 복고풍 인이 영화의 대담한 쇼 비즈니스 사가는 재즈 피아니스트 (라이언 고슬링)와 고군분투하는 여배우 (엠마 스톤)를 따라 가며 서로에 대한 열정이 커리어 야망에 얽혀 있습니다. Justin Hurwitz의 감미로운 악보와 "City of Stars"와 같은 눈길을 사로 잡는 자연주의적인 노래는 동화가 그루브를 찾는 데 도움이되며, 굉장한 에필로그는 Chazelle의 서사시를 맛있게 달콤하게 비틀어 마무리하는 데 도움이됩니다. Best Picture 오스카상 후보에 오른 세 번째 오리지널 뮤지컬 "La La Land"는 "All About Eve"(14 개 후보, 6 개 우승)가 세운 오스카 기록과 동률을 이루었습니다. 그리고 영화는 아카데미 상으로 기억 될 운명 이었지만, 샤젤은 최연소 최연소 감독상을 수상했습니다.

아가씨

“The Handmaiden” (Park Chan-wook, 2016)

박찬욱 감독은 1930 년대 사라 워터스의 소설 '핑거 스미스'의 빅토리아 시대 영국 사건을 일본이 점령 한 한국에 매끄럽게 포팅 한 '핸드 메이든'으로 21 세기의 가장 사악하고 매혹적인 퀴어 영화 중 하나를 전달했다. 김민희와 김태리는 포로 여인 히데코와 그녀의 두 타이밍 (혹은 세?) 메이드 숙희의 역할에 뚜렷한 케미를 가져다 준다. 그의 뒤틀린 관계는 박의 흥분과 특징만큼 역동적이고 예측 불가능한 관계이다. 오페라 카메라.

정규 촬영 감독 인 정청훈과 함께 팀을 다시 구성한 박씨와 그의 협력자들은 워터스 소설의 촌스러운 요소를 페티시즘적인 높이로 끌어 올렸습니다. 심지어는 하네스에 묶어 공중에 매달리기도했습니다. 그 결과 sapphic 에너지의 아찔한 주입으로 고전적인 비유를 전복시키는 건방진 에로틱 스릴러가됩니다. 모든 프레임에서 위험 할 정도로 살아있는듯한 비눗물 멜로 드라마.

언어와의 작별

“Goodbye to Language” (Jean-Luc Godard, 2014)

이 놀라운 후기 작품의 프랑스 뉴 웨이브 레전드 칸 시사회가 시작되기 전에 누군가가“Godard forever”를 외 쳤을 때 관객들은 박수를 쳤다. 누가 논쟁 할 수 있습니까? Jean-Luc Godard는 매 시간마다 응원하고 싶지만 무엇을 기대해야할지 결코 알지 못하는 탄력적 인 아티스트입니다. “Breathless”이후 50 년이 넘은“Goodbye to Language”가 다시 한 번 매체를 새로운 방향으로 이끌었다는 사실을 알게 된 것은 정말 놀라운 일입니다. 때때로 타락한 커플의 실존 적 논쟁을 맴돌지만, 영화는 어떤 전통적인 내러티브가 제공 할 수있는 것보다 더 많은 탐험 경로를 차트로 보여줍니다. 그것은 오늘날의 미디어 풍토의 과포화를 활용하는 압도적 인 몽타주로 펼쳐지며, 고다르는 많은 영감을받은 부분을 통해 명시 적으로 표현합니다. 두 명의 낯선 사람이 iPhone을 탭하여 여러 번 반복해서 교환하는 좀 더 우스꽝스러운 부분과 마찬가지로 평면 TV 정적 방송의 반복되는 장면은 그 자체를 말합니다. 내레이션 샘플이 철학자 Jacques Ellul의 에세이 "The Victory of Hitler"에서 강조되는 한, 누군가가 에세이 내용을 보여주는 스마트 폰 화면을 들고 있습니다.

고다르의 의도를 이해하기 위해 많은 분석이 필요하지 않습니다. 그는 정보 시대를 지적 사고가 디지털 영역에 의해 균질화되기 전에 죽어가는 의식의 숨결로 묘사합니다. 영화 제작자의 3D 기술 사용은 독보적입니다. 마음을 구부리는 한 순간에 그는 이미지를 두 개의 렌즈로 분할 한 다음 병합하여 청중의 눈알을 이전과는 다른 혼란의 프레첼로 만들었습니다. 결국, 영화는 고다르의 개 록시에서 진정한 영웅을 찾습니다. 그는 그의 목적없는 주인을 지루함으로 여기고 결국 문명의 한계를 넘어 더 나은 삶을 찾아 포로로 도망칩니다. 수년간 인간성을 헛소리로 불러 온 Godard는 마침내 너무 늦었다는 것을 인정하고 은밀한 작가가 Roxie의 승리의 탈출과 관련 될 수 있다고 상상할 수 있습니다.

파리아

“Pariah” (Dee Rees, 2011)

Dee Rees는 지난 10 년 동안 자연의 힘으로 성장했지만, 그녀의 데뷔 장편 장편-그녀 자신의 영감을 이끌어내는 우아하게 렌더링 된 성인 스토리-는 여전히 그녀를 정의하는 진술입니다. 억압 된 섹슈얼리티의 전기와 함께 윙윙 거리는 윙윙 거리는 "Pariah"는 10 대 Alike (Adepero Oduye)를 따라 퀴어와 남성적인 젠더 표현을 향한 순진하고 부드러운 여정을 따라갑니다. 우리는 Alike가 브루클린으로가는 기차에서 야구 모자와 티셔츠를 조용히 갈아 입고 부모님의 의심을 진정시키기 위해 여성스러운 스웨터를 입고있는 모습을 목격합니다 (Kim Wayans와 Charles Parnell). 그녀가 첫 번째 사랑의 따끔 거림으로 빛을 발하면서 우리는 그녀와 함께 녹아 내리고 Bina (Aasha Davis)의 반짝이는 눈을 통해 처음으로 자신이 바람직하다고 생각합니다. 촬영 감독 브래드 포드 영 (“도착”)은 Alike의 클럽에서 부유 한 첫 밤을 촬영합니다. 채도가 높은 색상으로 인해 영화는 첫사랑의 리듬과 자기 발견의 대가로 맥동을칩니다. “Pariah”는 시대를 앞섰지 만 사람들이 필요할 때마다 찾을 수 있기를 기다리고 있습니다.

더 듀크 오브 버건디

“The Duke of Burgundy” (Peter Strickland, 2014)

70 년대 유럽 탐험 영화에 대한 화려하고 시각적으로 연상되는 찬사-그리고 아마도 이번 10 년 동안 오프닝 타이틀에서 "향수"크레딧을받은 유일한 영화-Peter Strickland의 에로틱 드라마는 두 레즈비언 곤충 학자 사이의 가학 도적 관계에 대해 더 깊고 깊숙이 펄럭입니다. . Cythia (Sidse Babbett Knudsen)와 Evelyn (Chiara D' Anna)이 사랑스럽게 부드러 우면서도 하드 코어 한 방식으로 권력을 교환하는 것처럼이 영화는 이중여 주인공이 서로 처벌하는 굴욕적인 방식에있는 것처럼 예술적으로 정확합니다. . 조명은 감각적이고, 카메라는 충전되어 있으며, 세련되고 화려한 의상은 자극적입니다. Strickland는 에로티시즘의 열쇠가 상상력과 기대임을 이해합니다. 대부분의 장난스러운 사업은 화면 밖에서 이루어집니다.

재키

“Jackie” (Pablo Larraín, 2016)

Jackie Kennedy는 큰 화면에서 여러 번 묘사되었지만 Pablo Larraín의 대담하고 독창적 인 "Jackie"에서 Natalie Portman은 최고의 성능을 제공하기 위해 끊임없이 필 박스를 싫어하는 미국 아이콘에 붙은 기대와 가정을 가볍게 털어 놓았습니다. 확실히 그녀의 가장 몰입감이 뛰어나고 일부는 그녀의 악센트와 매너리즘에 강렬 할 수 있지만 "Jackie"는 그 리드가 "사마귀와 모든 것"을 넘어서는 역할에 철저하게 자신을 던지기 때문에 작동합니다.

대부분 케네디 대통령의 암살 직후 몇 주를 배경으로 한 포트만은 남편과 가족을위한 유산을 확립하는 데 열심 인 슬픔에 잠긴 재키를 연기하는 임무를 맡고 있습니다. 그녀는 자신이 사는 영화처럼 화가 났지만 기억과 진실의 가치에 대해서도 무자비합니다. 영화도 마찬가지입니다.

Larraín의 영화는 과거와 현재 사이를 깔끔하게 전환하여 재키의 삶과 국가의 삶 중 최악의시기에 재키의 삶과 정신을 풍부하고 종종 예상치 못한 모습으로 보여줍니다. 여기에는 은혜 노트도없고, 구속도없고, 결국 모든 것이 괜찮을 것이라는 느낌도 없지만, 그러한 정직함은 실제로 일어난 일에 적합하며, 영화는 약간의 자유를 가져다 줄 수도 있지만 (참조 : 충격을받은 신부와 함께 재키의 확장 산책) 감정이 정확히 맞습니다. 사실에 기반한 기능이 더 노력해야하는 것은 정서적, 정신적, 심리적 진실성의 종류입니다. 적어도 지금은 "재키"와 그 흉내낼 수없는여 주인공이 있습니다.

버클리에서

“At Berkeley” (Frederick Wiseman, 2013)

돌이켜 보면 21 세기 영화에 대해 우리가 당연하게 여겼던 것들이 많이있을 것입니다. 하지만 지금도 우리는 이미 80 대가 된 Frederick Wiseman과 함께 세상을 공유하는 것 이상으로 당연한 일을 당연하게 여겼습니다. Frederick Wiseman은 12 ~ 15 개월마다 계속해서 또 다른 걸작을 만들어 냈습니다. “고등학교”에서“Ex Libris”에 이르기까지 Wiseman의 결과물은 결코 흔들리지 않았으며 우리 기관 (및 우리 자신)에 대한 이해는 그 결과로 계속해서 심화되었습니다.

Wiseman이 지난 10 년 동안 만든 위대한 관찰 다큐멘터리 중 하나를 골라내는 것은 거의 임의적 인 느낌이 들지만, 캘리포니아 대학 버클리에 대한 그의 시험 — 주 기금 감소를 배경으로 한 4 시간 동안의 놀라운 경이로움 — 특히 공명하는 코드를칩니다. Wiseman은 고등 교육의 이상뿐만 아니라 Berkeley의 고유 한 이상주의 정신, 그리고 학교가 용서할 수없는 환경 속에서 활동주의와 접근성의 가치를 유지하기 위해 어떻게 고군분투 할 수 있는지에 대해 자신의 렌즈를 훈련합니다. 대학은 매우 활기찬 곳이 될 수 있으며 Wiseman의 가장 긴 장면조차도 미래에 대한 잠재력과 희망으로 가득 찬 것처럼 느껴집니다. 하지만 가장 힘들고 지속적인 인상을 남기는 것은 피날레입니다. Wiseman은 버클리의 미래를 정의하는 역설의 축소판처럼 느껴지는 연좌 시위에서 교수진과 학생들 사이를 교차시키기 위해 자신의 개별 편집 스타일을 제지합니다. 어떤 식 으로든, 그 미래는 와이즈먼이 누구보다 잘 포착하는 주제 인 고통스러운 타협의 산물이 될 것입니다.

포스 마쥬어: 화이트 베케이션

“Force Majeure” (Ruben Östlund, 2014)

공공 장소에서 백인 남성의 불안을 벗겨 낸 10 년 동안 Ruben Östlund의 사악하고 유쾌한 위기의 남성 성 연구는 우리 시대의 결정적인 코미디 중 하나로 자연스러운 자리를 차지했습니다. 이 영화의 유명한 선동적인 사건 – Tomas (Johannes Bah Kuhnke)라는 아빠가 스키 리조트에서 거짓 경보 눈사태가 발생하는 동안 아내 Ebba (Lisa Loven Kongsli)와 두 자녀를 본능적으로 버리는 사건 – 중상류층 가족의 편안한 존재는 영원히 뒤집어집니다.

비뚤어진 Kubrickian 롱 테이크 안에 자리 잡은 Östlund의 날카로운 안무와 절박한 상황은 자신의 캐릭터를 깊은 구멍에 파고 들어가 스스로 시도하고 터널을 파헤치는 것을 두려워하지 않는 주요 영화 작가의 도착을 예고했습니다. . 이 영화의 각 장면은 토마스의 반응이 단순히 고립 된 원초적 행위가 아니라 훨씬 더 원초적이고 비뚤어진 것이라고하는 불안한 진실을 삽니다. 그 결과 비정상적인 유머가 부적절하게 부풀려졌지만 실제 공감의 어두운 저수지 위에 세워졌습니다. Östlund는 가족이 자신을 발견하는 점점 커지는 함정을 진지하게 받아들이며, 이것이 Ebba가 '불가항력'을 이번 10 년 동안 남성성에 대한 가장 심오하고 단호한 시험 중 하나로 만드는 젠더 방정식을 재조정하도록 강요받는 방식입니다.

멜랑콜리아

“Melancholia” (Lars von Trier, 2011)

Lars von Trier의 아름답고 유쾌한 우울증에 대한 대재앙은 이상하게도 그의 가장 덜 방해가되는 영화 중 하나이자 그의 최고 중 하나입니다. 이 재치 있고 접근하기 쉬운이 우주 오페라의 어느 누구도 쪼개지거나, 황소를 당하거나, 심지어 똥과 웃음으로 죽임을 당하지 않습니다. “Melancholia”의 공포는 그것보다 훨씬 더 미묘하며, 태양을 영원히 차단하기 위해 짙은 회색 안개가 굴러 들어오는 것처럼 모든 것을 포괄합니다. Von Trier의 자연스러운 방종은 Kirsten Dunst의 경력 최고 성능의 스며드는 트라우마에 의해 완화됩니다. 그녀는 점점 어지러워지는 그녀의 엉뚱한 성 결혼식을 통해, 그녀의 불투명 한 분위기는 세상의 종말을 환영하는 (또는 심지어 초대하는) 것 같은 내면의 고통에 놓여 있습니다. Wagner의 "Tristan and Isolde"가 주도하는 놀랍고 초현실적 인 프롤로그

미션 임파서블 6

“Mission: Impossible — Fallout” (Christopher McQuarrie, 2018)

대부분의 독립형 모험으로 만들어진 프랜차이즈의 직접 속편 인 "Fallout"은 Ethan Hunt의 핵심 딜레마에 대한 "Mission : Impossible"시리즈에 초점을 다시 맞춰 슈퍼 스파이에 "Bridge of Spies"와 같은 명성있는 드라마에 더 어울리는 도덕적 절박함을 부여했습니다. Wolf Blitzer로 코스프레하여 핵 공격을 막는 누군가와 함께 시작되는 여름 블록버스터. 영화가 시작되는 순간부터이 영화는 마음 속에 단 하나의 질문 만 떠 올립니다. 다른 사람들에 대한 Ethan의 관심이 그의 가장 큰 약점 일뿐만 아니라 그의 가장 큰 장점 일 가능성이 있습니까? Tom Cruise와 Christopher McQuarrie 감독에게 대답은 항상 분명한 "예"가 될 것이 었습니다.하지만 그 사람들은 그곳에가는 것이 즐거웠습니다.

현대 스튜디오 시대 최고의 액션 영화 중 하나 인 "Fallout"은 기본적으로 지구상에서 가장 강렬한 남자가 자신의 악마와 끊임없는 달리기에서 경쟁하는 모습을 보는 것과 같습니다. HALO 점프 시퀀스에서 클라이머 틱 헬리콥터 결투에 이르기까지,이 곡의 스턴트는“Ghost Protocol”의 엄청난 스케일과“Mission : Impossible — III”의 순전 한 속도를 결합하고 McQuarrie는 이들 모두를 나리와 함께 숨막히는 라이딩으로 엮습니다. 하나의 낭비되는 샷. 그것은 스턴트 작업의 진정한 교향곡, 시대를 초월한 고전 영화 제작의 작품이며 훌륭한 영화는 누군가가 할 수 있다고 생각할만큼 미쳤 기 때문에 만들어 질 뿐이라는 것을 지속적으로 상기시켜줍니다.

인셉션

“Inception” (Christopher Nolan, 2010)

때때로 크리스토퍼 놀란은 올슨 웰스 이후 어떤 영화 제작자보다 마술의 아름다움을 더 잘 이해하는 것처럼 보입니다. 그는 잘못된 지시의 대가이며 모든 음모를 복잡한 조각의 종이 접기 크레인으로 우아하게 접는 천재이며 프리젠 테이션 및 보수의 전문 장인입니다. 그의 좋은 영화는 당신이 앞으로 몸을 기울이고 핵심 아이디어의 모든 부분에 의문을 제기하도록 초대합니다. 그것들은 당신이 그것이 정말로 중요하지 않다는 것을 깨닫는 정확한 순간까지 그들이 어떻게 작동하는지에 집착하게 만듭니다.

반면에 때때로 크리스토퍼 놀란은 마술이 어떻게 작동해야하는지 전혀 모르는 것 같습니다. 마술사는 자신의 비밀을 밝히지 않지만“Inception”에서 Nolan은 자신이하는 일을 끊임없이 말하는 것을 막을 수 없습니다. 영화 제작자가 그것을 드라마로 무기화하고 설명하는 경향의 궁극적 인 예인이 영화는 상영 시간의 대부분을 단순히 관객에게 설명하는 데 소비하는 영화입니다. 친구들과의 상영 후 대화를 기억하십니까? 그들은 사람들이 예술 작품에 대한 노트를 비교하는 것보다 엉뚱한 플레이를 이해하려는 NFL 심판처럼 들렸습니다.

그러나 그래서 무엇? 최선을 다해 놀란은 쇼맨이자 스토리 텔러이며, 그의 모든 내러티브 게임 솜씨 (그의 모든 죽은 아내와 꾸준한 푸시 인 샷 및 과격한 Hans Zimmer 모티프)는 축소 할 수없는 영화 적 즐거움을 제공합니다. 네, "Inception"은 죄책감과 구속, 아이디어의 힘에 대한 강렬한 드라마이지만 무엇보다 영화가 할 수있는 일에 대한 엄청난 축하를위한 정교한 변명입니다. 그것은 상대적인 시간을 가지고 노는 것, 네 가지 다른 존재면 사이를 교차 절단하는 것, 여러 다른 장르 (강도 영화, 본드 에픽 등)를 생생한 상상력의 진정한 놀이터로 포장하는 순수한 기쁨에 관한 것입니다. 페이지에서, 무대에서 할 수없는 일을하는 본능적 인 추진력에 관한 것입니다. 또는 TV에서도 정지와 시작이 있습니다. 영화 문법의 기본 요소를 사용하여 팽이처럼 지속되는 일관된 전체를 만드는 것입니다. 21 세기의 가장 특이한 블록버스터 그 이상인 "Inception"은 눈을 뜨고 꿈을 꾸는 놀라운 힘에 대한 증거입니다.

어느 가족

“Shoplifters” (Kore-eda Hirokazu, 2018)

“선택된 가족”내러티브는 새로운 것은 아니지만 Kore-Eda Hirokazu의 2018 년 Palme d' Or 수상작은 그 개념의 가장 부드럽고 비극적 인 초상화 중 하나로 선정되었습니다. Kore-Eda는 자신의 방식으로 모두 부서진 사람들의 일족 인 Shibatas의 건설에 섬세합니다. 그것은 일하지 않는 주간 노동자, 십대 성 노동자, 그리고 절망적 인 아버지가 집단 생존을 위해 물건을 훔치도록 가르친 마음이 큰 아이를 포함하는 임시 변통 그룹입니다. 그러나 Shibatas의 끔찍한 협박에도 불구하고 그들은 문 밖에서 학대 당하고 버려지는 Juri라는 어린 소녀를 받아들이지 않을 수 없습니다.

이 화려한 영화의 상당 부분은 Kore-eda가 모든 가족을 복잡하고 사랑스러운 캐릭터로 만들기 때문에 각 가족 구성원의 미묘한 세계를 들여다 보는 데 소비됩니다. Shibatas는 많은 사랑을 가지고 있지만 복잡한 비밀도 풍부하고 영화의 고조되고 가슴 아픈 마지막 30 분에 모두 흩어져 있습니다. '좀도둑'은 산산조각이 나는 경험이지만 시청자가 진정으로 사람들을 가족으로 만드는 힘에 대해 생각하게 만든다면 그만한 가치가 있습니다.

바르다가 사랑한 얼굴들

“Faces Places” (Agnès Varda & JR, 2017)

프랑스 뉴 웨이브의 원조 여왕 인 "Faces Places"의 감동적이고, 재미 있고, 삶을 긍정하는 멋진 황혼의 파견은 Agnès Varda가 올해 초 그녀가 죽기 전에 완성 할 수 있었던 마지막에서 두 번째 영화였습니다. 그러나 그것은 당신의 삶을 더 나은 곳으로 만들 일의 몸통에 대한 완벽한 진입 점으로 지속됩니다. 창의적인 상상력에 대한 증거인 Varda의 가슴을 흔드는 사람 (89 세 때 제작)은 고인이 된 아티스트가 자신의 강력한 개성, 무한한 시각적 통찰력, 기발한 다큐멘터리 본능을 젊은 거리 예술가와 공동으로 제작 한로드 무비에 가져 오는 것을 발견했습니다. JR. 함께, 이상한 커플은 거대한 폴라로이드 카메라로 두 배가 된 밴에 짐을 싣고 프랑스 시골을 여행했습니다.

이 영화는 임의의 사람들로부터 유쾌한 인터뷰를 이끌어 낸 Varda의 천재성의 대표적인 예이지만, "Faces Places"는 또한 Varda의 오랜 친구에게 시간을 제공합니다. 생명. 이 프로젝트는 겸손 할 가능성이 넘 쳤지 만 Varda와 JR의 매력과 지혜는 시간, 영화 역사, 너무 커서 한 번에 볼 수없는 세상을 지나가는 씁쓸한 충만함에 대한 신랄한 명상으로의 여정을 끌어 올립니다.

블랙 팬서

“Black Panther” (Ryan Coogler, 2018)

32 세에 베이 지역의 영화 감독 라이언 쿠 글러는 실종 된 부자 영화 3 부작을 완성했습니다. "Fruitvale Station", "Rocky"속편 "Creed", 역사적인 블록버스터 "Black Panther"는 할리우드 장벽을 무너 뜨 렸습니다. 수십 년 전에 부서졌습니다. Coogler는 T'Challa에 대한 Marvel의 James Bond 프레임 워크를 사용하여 공동 작가 인 Joe Robert Cole ( "American Crime Story")이 숨겨진 하이테크 아프리카 왕국 Wakanda를 만들고 Francis Ford Coppola와 동일한 차원의 가족 사가를 주입했습니다. "대부"에게 가져 왔습니다.

Coogler의 "Black Panther"에 대한 성년 개념은 왕이된다는 것이 무엇을 의미하는지 배우는 사자였습니다. 그는 그의 아버지와 나라의 이상화 된 버전을 머릿속에 싣고있었습니다. 그 아이디어가 파괴되면 T'Challa는 조각을 집어 들고 새로운 것을 만들어야합니다. Coogler는 식민지화에 영향을받지 않은 T'Challa (Chadwick Boseman)와 같은 아프리카 인을 본 적이 없습니다. 세계에서 부유 한 국가의 역할과 책임에 대한 많은 의문을 제기하는 야심 찬 사가에 대한 개인적인 방법을 찾기 위해 Coogler는 아프리카 계 미국인을 선택했습니다. Killmonger (MIchael B. Jordan)는 T'Challa의 중심 적대자입니다. "Black Panther"는 대부분의 흑인 캐스트를 특징으로하는 예산 수준의 첫 번째 블록버스터였습니다. 그러나 그 인간적 성격과 문화적 특이성은 영화가 단순히 피부가 깊지 않다는 것을 보장했습니다. 매표소에서 13 억 달러를 벌고 오스카상에서 6 개 후보에 올랐던 "Black Panther"는 영화 산업을 변화 시켰으며 그와 함께 전 세계를 변화 시켰습니다.

더 페어웰

“The Farewell” (Lulu Wang, 2019)

Lulu Wang의 폭발적인 선댄스 히트 곡은 영화 감독이 자신의 꽉 짜여진 가족 내에서 전파했다는 거짓말에 기반을두고 있습니다. (영화 생활에서) 스폰됩니다. 극적으로 찬사를받는 Awkwafina가 출연 한“The Farewell”은 그녀의 사랑하는 할머니 Nai Nai (매력적인 Zhao Shuzhen)가 암으로 죽어 가고 있다는 사실을 알고 겁에 질린 중국계 미국인 20 대 Billi를 따라갑니다. 하지만 나이 나이는 그것을 모르고 가족이 발언권을한다면 그렇게하지 않을 것입니다. 멀리 떨어져있을 수없고 그녀의 현재 생활에 거의 뿌리를 내리지 못한 채 빌리는 나이 나이의 마지막 날을 그녀와 함께 보내기 위해 부모의 중국 여행을 납치합니다.

진정한 드라 미디 (덜 우아한 영화는 매번 "인생처럼!"라고 외치며 "이별"은 그럴 필요가 없음), 영화는 붐비는 의사의 약속 사이에, 멋진 결혼식을 올립니다. , 그리고 맛있는 딤섬을 중심으로 한 충분한 장면이 관객을 배고픔의 고통에 빠뜨릴 수 있습니다. 그 과정에서 Billi와 그녀의 가족은 그들의 거짓말과 임박한 작별 인사 왕의 제목이 암시하는 두 가지를 모두 처리해야하며, 그들이 예상하는 비극을 훨씬 뛰어 넘는 계산으로 밀어 붙입니다. 이 영화는 미국과 중국의 삶, 거짓말과 진실, 가족과 다른 모든 것의 이분법을 바탕으로 제작 될 수 있지만, 그것이 다루는 모든 주제를 조명하는 풍부하고 공감할 수있는 삶의 조각으로 합쳐집니다.

토리노의 말

“The Turin Horse” (Béla Tarr and Ágnes Hranitzky, 2011)

모든 새로운 세대는 마치 세상의 끝에 살고있는 것처럼 느껴지고, 그들 각자는 이전 세대보다 조금 더 옳습니다. 그러나 지난 10 년 동안 그 독신 주의적 공포는 공통된 합의로 성장하는 것처럼 보였고, 마지막 날에 대한 영화는 마치 피부에 느낄 수있을만큼 가까이있는 것처럼 차가운 종류의 친밀감을 가정하기 시작했습니다. 특히 인간 존재의 무거움에 대한 최고의 영화 (“첫 번째 개혁”이 떠오르는 또 하나의 영화)가 집단적 자기 파괴, 반복, 무익함의 감각에 달려 있었기 때문에 기후 변화에 대한 점점 커지는 유령에 감사 할 수 있습니다. 지평선의 공포에 마비되고 있습니다. Nietzsche는“신은 죽으 셨습니다.

Tarr은 암울함에 낯선 사람이 아니지만 헝가리 작가의 이전 영화는 모두 블랙 코미디로 줄무늬가 있습니다. 반면에“토리노 말”은 심연을 강하게 응시하는 것에 지나지 않습니다. 사회를 잃고 허무주의가 지배하며 바람이 울부 짖는 것을 멈추지 않습니다. 감자 농부와 그의 딸은 할 일이 거의 없지만 자신의 망각을 후회하는 단색 악몽에 살고 있습니다. 10 년 동안 가장 황량한 장면에서 그들은 집 뒤의 산등성이를 뛰어 넘어 다른쪽에있는 것을보고 돌아온다. 여기나 저기에는 희망이없고 Tarr가 끝났을 때 말할 것도 없었습니다. 그는 장편 영화 제작에서 은퇴했으며 Steven Soderbergh 나 Hayao Miyazaki와는 달리 실제로 자신의 말을 지켰습니다.

탠저린

“Tangerine” (Sean Baker, 2015)

로스 앤젤레스 시내의 거리에서 일하는 두 트랜스 소녀의 하루에 대한 대담하고 무한하게 다시 볼 수있는 희극 인 Sean Baker의 "Tangerine"은 즉석 클래식이자 새로운 트랜스 영화의 번개 막대였습니다. Baker는 실제 트랜스 여성을 리드에 캐스팅하여 주요 포인트를 얻었습니다. 2015 년에는 드물지만, 이후 표준이되었으며 그의 결정은 큰 성과를 거두었습니다. Mya Taylor와 Kitana Kiki Rodriquez는 전문 배우를 모두 욕설하고 싶을 정도로 맛있는 특수성으로 영화를 포화시킵니다. 아나모픽 어댑터 덕분에 iPhone으로 촬영 한 "Tangerine"은 2015 년 Sundance에서 첫 선을 보였을 때 물결을 일으켰습니다. 물론, 영화 촬영법은 아무도 소비자에게 복제 할 수 없었던 방식으로 생생하고 생생합니다. 이후 등급 카메라, 그러나 영화의 모습은 목적을위한 수단 일뿐이었습니다. 반대로, "Tangerine"을 인스턴트 퀴어 클래식으로 만든 것은 Baker의 접근 방식의 원시적 친밀함입니다.

행복한 라짜로

“Happy as Lazzaro” (Alice Rohrwacher, 2018)

쉽게 시간을 넘나 드는 몽환적이고 동화 같은 장편 (청중이 따라 잡을 수있을만큼 똑똑하다는 의심의 여지없이), 영화는 가난한 농장주에서 무언가로 옮겨가는 시조 Lazzaro (Adriano Tardiolo)를 따라갑니다. 그밖에. 천천히 그리고 확실하게 자신의 줄무늬로 시간 여행 모험으로 변신하는 목가적 동화로, 내러티브 설명에서 쉬운 대답과 제로를 제공하지 않습니다. 그것은 그 매력을 증가시킬뿐입니다. 영화 제작자 Alice Rohrwacher의 다른 영화 (적절하게 멋진 "The Wonders"포함)와 마찬가지로, 외부의 개념조차도 깊이 개인적이고 사실적이라고 느끼는 것을 막을 수 없습니다.

프란시스 하

“Frances Ha” (Noah Baumbach, 2012)

“매력적이지만 눈에 띄지 않는 아티스트는 성장하기 위해 고군분투한다”는 이야기는 태초부터 표준 인디 영화 영역이었습니다. 2012 년에는 Hipster Hero 's Journey가 그 과정을 마치고 있다는 느낌을 피하는 것이 어려웠습니다. 그러나“Frances Ha”는 비슷한 영화에는 부족했던 Greta Gerwig와 같은 에이스를 가지고있었습니다.

Gerwig가 공동 집필하고 주연을 맡은 Noah Baumbach의 영화는 틀림없이 그녀의 진정한 힘을 세상에 발휘 한 최초의 영화였습니다. 그리고 아무도 그 이후로 닫을 수 없었던 판도라의 상자입니다. 솔직히 행복 할 이유가없는 캐릭터에 너무 많은 기쁨을 가져다 준다는 점에서 그녀의 연기는 놀랍습니다. 친구들에 대한 그녀의 충성심은 너무 강하고 춤에 대한 그녀의 열정 (그녀가 견습생 일지라도) 너무 전염되어 눈을 뗄 수 없습니다. 동시에, 영화의 장인 정신과 해설은 흠 잡을 데없이 영리하며 프랜시스를 쳐다 보는 실제 문제를 결코 피하지 않습니다. 이 조합은 치명적입니다. 우리는 Frances가 이러한 선택을해서는 안되는 이유를 완전히 이해하지만 그녀를 지원할 수밖에 없습니다. 이 패턴은 그녀의 삶이 그녀 주위에서 무너지면서 프랜시스가 자발적으로 파리를 여행하면서 절정에 이른다. 하루 동안 친구들의 성공을 흉내 내려는 재밌지 만 가슴 아픈 시도입니다. 그러나 그녀의 삶이 악화됨에 따라 그녀의 삶의 기쁨은 여전히 빛을 발할 방법을 찾습니다.

콜드 워

“Cold War” (Pawel Pawlikowski, 2018)

폴란드의 작가 Pawel Pawlikowski는 그의 부모로부터 영감을받은 또 다른 비극적 인 흑백 드라마와 함께 오스카상을 수상한 홀로 코스트 영화“이다”의 뒤를이었습니다. 88 분 만에 짜릿한 스타 크로스 연인들의 서사적 이야기 인 "Cold War"는 스탈린 시대 폴란드의 음악가 Wiktor (Tomasz Kot)와 고집이 센 싱어 댄서 Zula (가수 겸 배우 Joanna Kulig)가 만난 운명의 로맨스를 기록합니다. 순회 민속 극단의 일원으로. Wiktor와 Zula는 극단의 지휘자가 사랑스러운 젊은 여성의 음악적 능력을 측정 할 때 처음으로 조율이 맞지 않는 피아노를 바라 봅니다. 그 어두운 의미의 모든 순간은 여전히 오랜 세월 동안 귀염둥이로 등록됩니다. 거기에서 상황은 확실히 덜 귀여워집니다.

Pawlikowski는 균등하게 일치하는 두 명의 자기 매력을 가진 사람들을 묘사합니다. Wiktor와 Zula 사이의 탄력적 인 유대는 공생적이고, 카리스마 있고, 강하고, 완고합니다. 정치, 국경 및 여러 다른 형태의 망명 형태로 서로를 멀어지게하고 왜곡하기 때문에 수년에 걸쳐 이들을 다시 하나로 끌어 들이기위한 것이어야합니다. 그들의 진정한 자아. 밀실 공포증이있는 고 대비 영화로 간결하고 타원형이며 아연 도금 된 "냉전"은 각 장면 사이의 깊은 균열 사이로 떨어지게하는 모든 시간과 감정에서 그 힘을 채굴하는 영화입니다. Pawlikowski가 길을 따라 잃어버린 모든 것을 추적하는 방법 때문에 지울 수없는 사랑 이야기입니다.

고스트 스토리

“A Ghost Story” (David Lowery, 2017)

"유령 이야기"가 우리에게 준 유일한 것은 유족 루니 마라가 부엌 바닥에서 파이 전체를 삼키는 5 분 길이 였다면 충분할 것입니다. 그러나 그 헤드 라인을 잡는 장면은 David Lowery의 감동적이고 놀랍고 유쾌하게 시간과 공간에 대한 명상의 상단에있는 체리였습니다. 그의 "Ai n't them Bodies Saints"의 캐스트를 재결합하여 Lowery의 아스트랄 서사시 인 Casey Affleck을 가정 음악가로, Mara를 불안한 아내로 출연합니다. 그 남자가 오프 스크린 교통 사고로 죽을 때, 그의 영혼은 잘 맞는 할로윈 의상처럼 그의 머리 위로 드리 워진 흰색 병원 시트 인 들것에서 일어나고 그가 떠나고 싶지 않은 집을 괴롭히기 시작합니다. 그 단순하고 거의 아이 같은 전제에서 로리는 알려진 우주 크기의 실존 적 실을 뽑았습니다. 동등하게 어리 석고 심오한

에덴

“Eden” (Mia Hansen-Løve, 2014)

Mia Hansen-Løve의 모든 장편 영화는 어떤 식 으로든 자전적이지만 ( "올 것"및 "안녕, 첫사랑"참조) 그럼에도 불구하고 "Eden"이 그녀가 누구인지 가장 투명하게 드러내는 영화라는 것은 놀라운 일입니다. 한 가지로, 그것은 다른 누군가를 기반으로합니다 .Hansen-Løve의 형 Sven, 전직 DJ, 프랑스 Touch 음악 현장의 거대한 역사를 공동 집필했습니다. Daft Punk의 상승세와 평행을 이루는 친밀한 서사시 인 "Eden"은 90 년대 초반부터 최근 과거까지 이어지며 Paul (Félix de Givry)이라는 파리 DJ의 점점 정체 된 삶의 20 년을 기록합니다. 그는 EDM을 대중에게 알리는 데 집착하지만, 그의 초점은 그의 재능을 훨씬 능가하며, 그의 가벼운 초기 성공이 아무데도 갈 수없는 긴 여정의 시작이라는 것이 곧 분명해집니다. 섬세한 캐릭터 연구가 사랑스러운 세대의 초상화로 접혀진이 우울한 걸작은 감독의 모든 작업에 영향을 준 잃어버린 시간에 대한 똑같은 분리 된 탐구를 심화시킵니다. 꿈에 관한 훌륭한 영화가 많이 있습니다. 이것은 그들을 놓아주는 고통에 대한 몇 안되는 것 중 하나입니다.

엘르

“Elle” (Paul Verhoeven, 2016)

Paul Verhoeven이 카운트 다운 된 것처럼 보였을 때 네덜란드 도발 사는 그가 여전히 장르를 뒤집고 기대를 뒤집는 지배자임을 전 세계에 상기시키는 강간 복수 판타지를 전달했습니다. 물론“Elle”에 대한 공로의 대부분은 그녀의 강간범과의 불륜을 추구하는 여성 역할을하는 Isabelle Huppert에게 있습니다. 그는 오랫동안 연기 된 첫 번째 오스카상 후보에 오르는 전설적인 프랑스 스타를 얻었습니다. 감독은 Verhoeven이“Showgirls”와“Basic Instinct”와 같은 사람들에게 가져온 야숙 한 저속함을 버리고 Huppert의 맹렬함과 육체 성을 강조하기 위해 모든 창의적인 선택을 조직했습니다. 이러한 접근 방식은 Huppert가 한 장면에서 다음 장면으로 또는 심지어 한 장면에서 다음 장면으로 피해자와 마조히스트 사이를 오갈 수있게했으며, 여배우가 트라우마에 대한 충돌하고 종종 설명 할 수없는 반응을 우리가 화면에서 거의 볼 수없는 정도의 생생한 사실로 구현했기 때문입니다. 그림에서 도덕성을 제거하면서“Elle”은 대부분의 성폭력 이야기가 감히 감히 감히 말했던 것보다 훨씬 더 깊은 것을 탐구 할 수 있습니다. 결과적으로 더 인간적인 영화이고 더 가치있는 영화이기도합니다.

가구야 공주 이야기

“The Tale of the Princess Kaguya” (Takahata Isao, 2014)

고 스튜디오 지브리 공동 창립자 다카하타 이사오 (Takahata Isao)의 지울 수없는 마지막 영화 (1999 년의 "내 이웃 야마다"이후 첫 번째 영화)는 아마도 그의 범죄 경력 중 가장 시적이고 아름다운 업적 일 것입니다. 인기있는 10 세기 일본 민속을 바탕으로 한 "가구야 공주 이야기"는 색이있는 숯과 수채화 애니메이션 (생생하고 섬세한 미학이 흘러 나오는 동시에 영화의 뼈까지 깊숙한 모습을 구현 함)만큼이나 믿을 수 없을 정도로 단순한 이야기로 전달됩니다. 잃어 버리고 영원히 사라진 것을 애도하는 감각).

나무꾼이 빛나는 죽순 속의 미니어처 소녀를 발견하면 아내에게 집을 데려 오는데, 갑자기 수유중인 몸은 부부가 자신의 아기를 키워야한다고 주장합니다. 어린 카구야의 입양 부모는 숲에서 목가적 인 어린 시절을 그녀에게 선물하지만 소녀가 아름다운 젊은 여성으로 꽃을 피우고 대도시의 왕실 남성들로부터 많은 관심을받는 주제를 발견함에 따라 시간이 갈수록 더 좋아집니다. 타카하타의 우울한 적응은 미조구치 켄지의 전후 멜로 드라마와 여성 객관화에 대한 급격한 초점을 향하고 있습니다. 가구야는 한때 겸손한 아버지가 그의 새로운 중요성에 유혹되는 동안 그녀의 구혼자들에게 일련의 불가능한 작업에 도전하기 때문에 여기에 있습니다.

이 고대 이야기는 풍자와 초현실주의의 새로운 리본으로 잘립니다. 타카하타가 위장 구덩이에 바닥이없는 (아직 씁쓸한) 구멍을 형성하는 희망과 어둠 (과거와 미래)의 매혹적인 소용돌이를 만듭니다. 어떻게 그렇게 슬픈 영화 자체의 비극에 압도되지 않습니까? 유일한 설명은“가구야 공주 이야기”는 타이틀 캐릭터와 똑같은 마법에 닿아 아름다움의 근원이 없어도 영원히 완벽 할 것이라는 것입니다.

비포 미드나잇

"Before Midnight"(Richard Linklater, 2013)

셀린 (Julie Delpy)이라는 귀여운 낯선 사람에게 비엔나에서 그와 함께 기차에서 내릴 것을 자발적으로 요청한 지 18 년이 지났고 영화에서 가장 큰 거트 펀치 중 하나가 어둠 속에서 미래를 떠난 지 9 년이 지났습니다. Jesse (Ethan Hawke)라는 남자는 10 대 아들을 집으로 돌아 오는 비행기에 얌전하게 배치하면서 우리에게 다시 소개됩니다. Richard Linklater의 "Before Midnight"의 메시지는 오프닝 장면에서 크고 분명하게 울립니다. 나이가 들어감에 따라 우리의 삶은 새로운 모험에서 비자발적 결말에 이르기까지 점차적으로 인사에서 작별 인사로 바뀝니다.

이제 두 딸이있는 부부 인 Jesse와 Celine은 여전히 카리스마가 넘칩니다. 그리스에서 휴가를 보내고있는 커플 채팅을 보면 지난 20 년 동안 아무것도 변하지 않았다고 느끼기 쉽습니다. 그러나 영화는 사물이 처음 등장하는 것보다 무너지는시기에 그들을 따라 잡으며, 평범한 사이비 철학적 농담은 곧 무너진 불만의 댐으로 넘어 간다. 다른 대륙에 살면서 서로를 두 번 찾는 것이 쉬운 부분이라는 것이 밝혀졌습니다. 당신의 삶의 충만 함을 누군가와 나누고 있습니까? 그것은 또 다른 이야기입니다.

Hawke와 Delpy 사이의 화학은 그 어느 때보 다 풍부하지만 "Before Midnight"에서는 그 어느 때보 다 더 많은 압력이 가해졌습니다. 이 캐릭터들 사이의 에너지를 병에 담는 Linklater의 능력은 그가 살아온 사랑을 3 부작의 이전 두 편에서했던 것처럼 변덕스럽고 생생하게 느낄 수있는 유일한 방법입니다. 일생에 한 번 뿐인 우연에 관한 영화인 반면,이 영화는 몇 년을 함께 보내는 것에 관한 영화입니다. 많은 사람들이 직접 아는 이야기입니다. 그러나 영화에는 전작의 카운트 다운 장치가 없지만 Jesse와 Celine은 여전히 똑딱 거리는 소리에 사로 잡혀 있습니다. 한 쌍의 20 대에게 비엔나의 어느 날 밤은 평생처럼 느껴질 수 있습니다.

여기에서 "Before"영화는 캐릭터와 함께 진정으로 노화 된 희귀 프랜차이즈로 수집되었습니다. 각 영화는 Jesse와 Celine이 필요로하는 모든 것입니다. 3 부작은 환상과 아침까지 기억에 남을 낯선 사람에 대한 마법의 열광으로 시작되었습니다. 그것은 영속성으로 끝나고 모든 관계는 결국 함께 할 수있는 최선을 다하는 것이된다는 것을 깨닫게됩니다. “진정한 사랑을 원한다면 이것이 바로 그것입니다.”라고 Jesse는 Celine에게 말합니다. "완벽하지는 않지만 진짜입니다."

기생충

“Parasite” (Bong Joon-ho, 2019)

사회가 어떻게 가장 취약한 사람들만큼 강할 수 있는지를 보여주는 우스꽝스러운 폭력적 계급 비유 봉준호의 전기 종려상 수상자는 영화의 은유에 의존하지 않는 부드러운 칼이다. 그들이 살아남 게하십시오 “Snowpiercer”작가의 다른 고 개념 작품 들과는 달리“기생충”은 현저하게 가능하지 않다면 아무것도 아니다.

한 사람 한 사람 씩 언덕 위의 세련된 저택에서 누보 부자 가족을 위해 일하기 시작하는 가난한 서울 가정 (위대한 송강호가 이끄는)에 대한 충분한 이야기,“기생충”시작 격노하고, 분류 할 수없는, 분노로 불타는 무언가에 빠지기 전에 일종의 오프 킬터 클래스 코미디로. “Okja”,“어머니”만큼 현실적이며,“Memories of Murder”처럼 가슴이 벅차 오르는 것처럼, 봉 감독의 최신작은 후기 자본주의의 곤경 아래서 삶에 대한 미친 끔찍한 비난이며 모든 사람을 떠난다. 끝에는 조금 더 풍부합니다. 미국 시청자들은 아직 그것을 볼 기회를 얻지 못했을 수도 있지만 (네온은 10 월 11 일에 영화 개봉을 시작할 예정이다),“기생충”은 이미 초반에 고개를 떨친 불평등의 정의 표현으로 내려가는 것이 확실해 보인다. 21 세기의 일부

잃어버린 도시 Z

“The Lost City of Z” (James Gray, 2016)

"정글은 지옥입니다."수염을 기른 로버트 패 틴슨이 내뱉습니다. "하지만 한 종류는 그것을 좋아합니다." 모든 위대한 모험 영화에 대한 사명 선언문 일 수도 있습니다. 그리고 영국 탐험가 퍼시 포셋의 불운 한 아마존 탐험에 관한 데이비드 그랜의 책을 무성하고 취하게 각색 한 제임스 그레이의 "Z의 잃어버린 도시"는 지금까지 제작 된 최고의 모험 영화 중 하나입니다.

영화에서 Charlie Hunnam이 연기 한 Fawcett는 잃어버린 문명의 폐허를 찾기 위해 볼리비아와 브라질의 열대 우림으로 세 번의 여행을합니다. Fawcett와 그의 아들 (미래의 Spider-Man Tom Holland)이 흔적도없이 사라지면서 마지막 결과는 해결되지 않은 수수께끼가됩니다. Darius Khondji가 알렉산더 코르다 어드벤처의 까다로운 자연주의로 촬영하고 그레이가 이전에 "Two Lovers"와 같은 작은 (하지만 덜 친밀한) 영화에 가져 왔던 것과 동일한 뉘앙스로 성형 한 "The Lost City of Z"는 기절하는 캐릭터입니다. 탐험의 낙관주의와 좌절감, 즉 새로운 것을 발견하려는 희망과 이미 가지고있는 것이 충분하지 않아야한다는 황량한 깨달음을 모두 보여주는 연구.

유전

“Hereditary” (Ari Aster, 2018)

그래서 사람들이 그것을 "고양 된 공포"라고 부르는 장르의 대부분을 뛰어 넘는 머리와 어깨는 Ari Aster의 "Hereditary"가 무서운 영화가 진지한 예술을 만들 수 있다는 것을 (또 다시) 분명히했습니다. 놀라운 토니 콜레트가 이끄는이 영화는 슬픔, 정신 질환 및 유전 된 트라우마에 대한 험난한 검사를위한 기초로 악마 소유에 대한 표준 이슈 이야기를 전환합니다. 콜레트를 상대로 자신의 모습을 그대로 유지 한 Alex Wolff는 한 장면에서 공포, 취약성, 십대 반란 사이를 오갈 수있는 인상적인 재능으로 등장하고, Ann Dowd는 영화를 바로 위로 밀어 붙이는 차가운 악당을 연기합니다. 캠프 직전. 하지만 '유전'은 애 스터가 출연진에서 뽑은 연기뿐 아니라

씨민과 나데르의 별거

“A Separation” (Asghar Farhadi, 2011)

2010 년대는이란의 영화 감독 Asghar Farhadi가 자신을 영화계의 결혼 해체의 거장으로 선포 한 10 년이었으며 2011 년 드라마 "분리"는 그의 대작으로 남아 있습니다. Golden Bear, Golden Globe, Academy Award for Best Foreign Language 영화상을 수상한 Farhadi의 산산이 부서지는 드라마는 양육권 싸움을 꼼꼼하게 활용하여 억압적인 사회에서 가족을 하나로 묶고 분리하는 유대 관계에 대한 열렬한 조사를합니다. 감독의 예리한 대본은 딸에게 더 나은 자유를주기 위해이란을 떠나고 싶어하는 시민 (레일라 하타미)과 병든 아버지가 그를 제자리에 고정시키고있는 남편 네이더 (페이 만 모아 디)와 함께 관객을 매료시킨다. 각자의 우선 순위를 타협하지 않기 위해 이혼 한 두 사람은 그러나 그들의 최선의 계획은 부모를 서로 반대하는 음모를 꾸미는 다양한 체계적 요인 (종교적 보호자 및 편향된 법원 시스템 포함)에 의해 뒤바뀐 다. Farhadi는“분리”가 자유 낙하 관계의 고통스러운 타성을 완전히 실현할 정도로 강렬하고 고른 엄격함으로 영화의 중심 딜레마의 감정적 낙진을 추적합니다. 시간이 지남에 따라 상황은 너무 꽉 차서 사회의 미래 자체가 균형에 걸린 것처럼 느껴지기 시작합니다.

카메라를 든 사람

“Cameraperson” (Kirsten Johnson, 2016)

다큐멘터리 커뮤니티가 화면에서 피사체를 표현하는 방법에 대한 장기간의 늦게 논의되는시기에 영화 감독이자 촬영 감독 인 Kirsten Johnson은 대신 거울을보기로 결정했습니다. 존슨의 매그넘 작품 인“Cameraperson”은 카메라 뒤에있는 그녀의 25 년을 재검토하기 위해 겉보기에는 바닥이없는 아카이브에 백조 다이빙을하는 누군가의 작품입니다. Johnson이 자신의 안전에 대한 두려움으로 인해 Johnson이 제작 한 영화의 플러그를 뽑은 주제에 의해 촉발 된 강렬한 개인적인 필요로 인해 Johnson이이 영화를 만들었지 만, 논픽션 영화의 세계는 그녀에게 그러한 정직한 행동에 대한 감사의 빚을지고 있습니다.

존슨이 수년에 걸쳐 촬영 한 다양한 미사용 영상에서 가져온 용도 변경된 영상에서 나오는 것은 학문적 연습이 아니라 편집실 바닥에서 회수 된 더 깊은 개인적인 회고록입니다. Johnson은 화면에 거의 나타나지 않지만 그녀의 관점은 어떤 종류의 물리적 존재를 가정하고-그녀의 렌즈를 통해-시청자는 우리가 시야로 이동하는 매혹적인 사람들처럼 카메라 뒤에있는 여성에게 감정적으로 묶여 있습니다. . Johnson의 형식주의는 거리가 멀어 보일 수 있지만 (푸티지는 제목 카드 나 다른 종류의 어려운 맥락으로 구성되지 않음) 정보가 부족하여 이미지 자체보다 이러한 이미지를 캡처하는 행위에 더 많은 관심을 집중하게됩니다.

타오르는 여인의 초상

“Portrait of a Lady on Fire” (Céline Sciamma, 2019)

Céline Sciamma의 현재까지 가장 완벽하고 강력한 영화. Adèle Haenel이 꺼리는 신부로 출연하고 Noémie Merlant가 그녀의 결혼식 초상화를 비밀리에 칠하기 위해 고용 된 여성으로 출연 한 18 세기 로맨스 영화는 곡예의 무언가로 등장했습니다. 올해 초 칸에서 초연되었습니다. '톰보이'가 불안한 곳, '소녀 시대'가 성급한 곳을 망설이던 '불타는 여인의 초상'은 어떤 의미에서든 '클래식'으로 묘사 될 수있는 첫 영화 다. 그녀의 초기 작품은 모두 자기 발견과 여성이 투영하는 이미지에 대한 심오하고 부드러운 이야기를 들려 주었지만,이 영화는 그들이 남긴 것들과 남성 필터를 통해 강요받지 않을 때 얼마나 놀라운 지에 대해 더 관심이 있습니다. .

헤넬과 멀란 트가 지울 수없는 인상을 남겼다고 말하는 것은 과소 평가 일 것입니다. 마치 그들이 떠난 눈물의 베일을 통해 명확하게 추적 할 수있을 거라고 말하는 것은 거짓말처럼 지울 수없는 인상입니다. “불타는 여인의 초상”은 미묘하지는 않지만, 전에 본 적이없는 두 사람 사이의 공유 된 모습의 모든 힘을 천천히 탐구하는 영화에서 가슴이 찢어지는 강렬함이 당신에게 몰래 다가온다. 어떤면에서는 전통적이고, 다른면에서는 진보적이며, 너무나 현실적이어서 캔버스를 따라 눈을 돌리는 것보다 거울을 응시하는 느낌이 더들 수 있습니다. 이것은 영화가 말한 어떤 러브 스토리만큼 부드럽고 사실적입니다. 엔딩의 쇠망 치가 당신을 프레임 속으로 납작하게 만듭니다.

제로 다크 서티

"Zero Dark Thirty"(Kathryn Bigelow, 2012)

오사마 빈 라덴에 대한 사냥은 10 년 넘게 미국 대통령 행정부 두 곳을 사로 잡았지만 결국 그를 사냥하는 데는 작은 비밀 전담 CIA 요원 팀이 필요했습니다. 오스카상을 수상한 Kathryn Bigelow의 뉘앙스와 눈길을 끄는 기능의 듀오가 발표 될 때까지 작업에 대한 세부 사항은 거의 공개되지 않았는데, 이는 정치적 똥을 휩쓸 었을 때에도 역사를 만들고있는 것처럼 느껴졌습니다 .

Jessica Chastain이 미션 센터에서 알려지지 않은 여성으로서의 탈주 역할을 중심으로 구축 된 "Zero Dark Thirty"는 사실에 대한 엄격한 극화도 아니고 신화적인 비율을 가정 한 남자 사냥의 후라 판타지도 아닙니다. 대신 정보 추격에 대해 알려진 것을 면밀히 추적하고 테러와의 전쟁의 어두운 복도에 새로운 빛을 비추고 모든 것을 레이저 초점으로 증류하여 수년간의 밀집된 백룸 활동을 간소화하는 매력적인 하이브리드 스릴러이자 수사 드라마입니다. 빈 라덴을 찾은 개자식에 대한 캐릭터 연구. Mark Boal의 오스카상 후보 대본은 현대 전쟁의 모호함, 좌절 및 관료 주의적 관료 주의적 관료주의를 현명하게 조사하고 영화가 전국적 논쟁을 촉발시킨 논란이되고있는 고문 사용에 대해 충분히 특별한주의를 기울입니다. 하지만 이러한 모든 인화점에 대해

마가렛

“Margaret” (Kenneth Lonergan, 2011)

"Manchester by the Sea"는 Kenneth Lonergan에서 오스카상을 수상했지만 그의 진정한 걸작은 "Margaret"과 함께 5 년 전에 발표되었습니다. 글쎄요,“출시”는 그 영화에서 일어난 일을 설명하는 관대 한 단어 일 수 있습니다. 그것은“얽히고 인질로 잡혔다”에 가깝습니다. Fox Searchlight는 2011 년 9 월에 150 분 분량의 'Margaret'컷을 극장에 내놓았지만 2012 년 7 월 Lonergan의 184 분 감독 컷이 DVD에 상륙 할 때까지 많은 비평가와 영화 관객이 심오하고 비극적 인 모자이크 Lonergan을 감상하기 시작했습니다. 만들었다.

작가 겸 감독의 'You Can Count on Me'에 대한 후속작은 Anna Paquin이 비극적 인 버스 사고를 목격 한 17 세의 뉴요커 리사 역으로 출연하며, 무슨 일이 의도적 이었는지 알아내는 데 사로 잡혔습니다. 아니. 맨해튼의 절반을 복잡하게 겹친 태피스트리 (성적으로 일탈 한 맷 데이먼, 반유대 주의자 장 리노, 심지어 영화 제작자도 포함)에 엮인 닳고 먼 이야기 속에서 자신의여 주인공을 찾은 Lonergan은 Lisa의 변화하는 관점을 좁 힙니다. 세상을 헤쳐나가는 누군가의 두려움없는 초상화를 만드는 길에 도덕성과 정의에 대해 이야기합니다. 10 대가 다가오는 청소년에 대한 영화가 너무 많이 나왔을 지 모르는 10 년 동안 "마가렛"은 아마도 가장 까다 롭고 갈등이 많았을 것입니다.

퍼스널 쇼퍼

“Personal Shopper” (Olivier Assayas, 2016)

급진적 인 직접 성과 독특하게 현대적인 자아 감각으로 유령 이야기를 재창조 한 Olivier Assayas의 "Personal Shopper"는 엉뚱한 칸 초연에서 살아남아 스크린에 투입된 슬픔의 과정에 대한 가장 영향력있는 묘사 중 하나로 자리 매김했습니다. 그리고 어쩐지, 유령 발사체가 크리스틴 스튜어트의 얼굴 위로 뜨거운 백색 외질을 비명을 지르며 공중으로 토하는 장면이 포함되어 있지만, 가장 사실적인 장면 중 하나이기도합니다.

한 순간을 꽉 잡고 다음 순간은 타원 인 'Personal Shopper'는 그저 그 너머에서 오빠와 연결하려는 젊은 여성에 대한 이야기 일뿐만 아니라 기술이 사람들이 죽은 사람을 기억하는 방식을 어떻게 형성 하는지를 아는 초상화이기도합니다. 그들의 부재를 처리하십시오. 무감각 한 스튜어트는 죽은 쌍둥이와 접촉하기를 희망하며 매체로 달빛을 밝히는 유명인 조수 모린처럼 훌륭합니다. 그리고 심령 학자들은 항상 광경에 매료 되었기 때문에 Maureen이 iPhone을 계속 쳐다보고 스웨덴 신비주의 Hilma af Klint의 그림을 Google에 검색하거나 Victor가 등장하는 (가짜) 오래된 TV 드라마의 재미있는 클립을 보는 것은 자연스러운 일입니다. 휴고는 하키 세앙을 지휘한다. 이 디지털 친교는 Assayas의 간결한 스릴러에게 러시아 중첩 인형의 느낌을 제공합니다.

바바둑

“The Babadook” (Jennifer Kent, 2014)

제니퍼 켄트의 무서운 스릴러는 무해한 (완전히 어리석은 것은 아니지만) 전제에서 시작됩니다. 어머니 (에시 데이비스)는 어린이 그림책의 페이지에서 벗어나는 초자연적 존재로부터 아들 (노아 와이즈맨)을 보호해야합니다. 하지만 얼마 지나지 않아 켄트의 기술이 당신을 겁나게합니다. 대부분의 공포 영화는 점프-공포에 크게 의존하는 반면,“바바 두크”는 장르의 진부한 표현과 전술을 피하고 대신 공포감을 증가시키는 분위기를 자아냅니다. 창의적인 카메라 워크, 기이 한 색상 팔레트 및 팽팽한 편집으로 생동감을 불어 넣은 Kent의 데뷔작은 피부에 스며드는 달콤한 시간이 걸립니다. 그러나 일단 Babadook이 안으로 들어가면 그것을 제거 할 수 없습니다. 트라우마, 슬픔, 상실의 화려하고 괴물 같은 의인화로 성장한 바바 두 크는 – 그것이 나타내는 감정처럼 – 결코 완전히 제거 될 수 없습니다. 고통받는 사람들은 그것과 함께 사는 법을 배워야합니다.

팀북투

“Timbuktu” (Abderrahmane Sissako, 2014)

압 데라 마네 시사 코 (Abderrahmane Sissako)의 '팀북투'는 급진적 인 이슬람주의 집단의 손아귀에있는 북부 말리 공동체를 끔찍하지만 서정적으로 묘사하며 항상 신경을 곤두 세웠습니다. 모리타니아 영화 감독은 자신의 다섯 번째 장편을 만드는 데 상당한 개인적 위험을 감수했으며, 안전하게 완성 된 경우에도이 프로젝트가 화면에 이슬람을 묘사하는 방식으로 인해 논쟁의 여지가있는 번개 막대가 될 것임을 알고 예술적 표현에 대한 국가의 관계. 그러나 Sissako가 승리했습니다. 평범한 사람들이 직면하는 특정 문제에 대한 지역적 관점을 제공하는 그의 능력은 또한 세계에 지하드 문화의 쿼티 디언 위선에 대한 창을 제공함으로써“팀북투”가 글로벌 무대에서 성공할 수 있도록했습니다. 전 세계적으로 공명했습니다.

시사 코의 시적 접근은 그가 영화의 불안한 폭력을 완화시키고 복잡하게 만들 수있게 해주었다.이 전략은 마을 사람들이 공을 사용하지 못하도록하는 축구 경기로 구체화되었다. 잔혹한 행위를 정당화하기 위해 이슬람을 잔인하고 명백히 근거없는 방식으로 왜곡하는 근본주의 통치자 아래서의 삶의 부조리입니다. “팀북투”는 상상할 수없는 전염병 아래서 펄럭이는 삶의 감각을 발견했습니다.

로마

“Roma” (Alfonso Cuarón, 2018)

Alfonso Cuarón이 만든 가장 공식적으로 놀랍고 감성적 인 작품 인 "Roma"는 멕시코 시티 가정부가 옥상 아파트로가는 금속 계단을 걸어가는 이미지 (또는 기억)에서 태어났습니다. 그 환상의 반점에서 Cuarón은 그의 대작 작품을 풀었습니다. 처음부터 영화 제작자는 개인적, 정치적, 보편적 인 것을 동등하게 만들기 시작했습니다. 그는 Participant Media가 부모의 이혼에 대한 흑백 시대 작품에 1,500 만 달러를 투자하도록 설득하면서 매우 유명한 작가가 자신의 모든 칩을 현금화해야하는 프로젝트였습니다. 그를 통해. 영화 제작자가 유모의 남자 친구와 준 군사 단체와의 관계에 대한 스레드로 스토리를 레이어링하기로 결정했을 때

심장에 "로마"는 Cleo라는 이름의 멕시코 원주민 여성의 이야기를 들려줍니다. Cuarón의 중상층과 함께 살며 일했던 가사 노동자의 가상 버전 인 Cleo (신생 자 Yalitza Aparicio는 얼굴이 모든 장면에서 수십 년의 감정을 반영 함)입니다. 그가 어렸을 때 멕시코 시티 가족. Cleo는 아이들을 돌보고 영화로 탈출하고 가라데를 좋아하는 짝사랑에 흠뻑 젖어 70 년대 초의 불안정한 배경을 배경으로 점점 더 비극적 인 경험의 소용돌이를 헤쳐나갑니다. 그녀는 집 밖에서 살고 있지만,“로마”는 점점 더 초월 적으로 성장하는 은총으로 작은 존재를 돌아 다니며 참을성있게 그녀의 진정한 거리를 추적합니다. 힘든 Dolby Atmos 사운드 디자인, 아름답고 섬세한 VFX, 그리고 리허설이나 대본없이 자주 연기하는 뛰어난 아마추어 캐스트 덕분에, Cuarón은 Cleo의 세계를 깨어있는 삶만큼 생생하게 실현했습니다. Cuarón은 작년 한 인터뷰에서“총격을 시작하면 혼돈이 터집니다. "삶처럼."

결국 "로마"는 그 이전의 어떤 것과도 같지 않았습니다. 베니스 황금 사자상 수상자는 190 개국에서 온라인으로 개봉 될뿐만 아니라 100 개 이상의 극장에서 연장 된 극장 개봉을받은 최초의 넷플릭스 영화였습니다. 전례없는 개봉으로“Roma”는 10 개의 오스카상 후보에 올랐으며 멕시코에서 최우수 국제 장편 영화상을 수상한 최초의 영화가되었습니다.

스프링 브레이커스

“Spring Breakers” (Harmony Korine, 2013)

많은 Harmony Korine 영화와 마찬가지로, "Spring Breakers"는 처음에는 종달새처럼 보입니다. Skrillex의 비트의 난잡한 배경에 대해 해변가 쾌락주의에 종사하는 열렬한 파티 십대의 슬로 모션 영상은 영원히 지속될 수 있습니다. 그러나 많은 Harmony Korine 영화와 마찬가지로 표면 아래에는 훨씬 더 많은 것이 있습니다. 이 네온 레이스 오디세이가 진행됨에 따라 장르 모드로 전환되며, 네 명의 대학생 소녀들이 미국 남부 끝으로의 타락한 여행에 자금을 조달하기 위해 식당을 강탈하는 지하 이야기에 초점을 맞 춥니 다. 일단 그곳에서 그들은 기뻐하는 범죄자 Alien (피크 제임스 프랑코)에 의해 법에서 구출됩니다. 그의 무모한 생활 방식에 대한 현기증은 영화를 예기치 않게 달콤한 방향으로 인도합니다. 그의 집결 외침- "내 모든 것 좀 봐!" — 동시에 냉소적이며 축하합니다.

"Spring Breakers"는 만화 같은 에너지와 불안한 자연주의를 독특하게 혼합하여이를 관리하며, 디즈니 스타일의 캐스트 (Selina Gomez와 Vanessa Hudgens는 이전 또는 이후로 위험한 일을 한 적이 없음)와 실제 배우 및 행 아웃 장면을 혼합합니다. 미니 다큐멘터리가 되십시오. 이는 역대 최고의 파티 영화 중 하나입니다. 부분적으로는 문화를 확장 된 펀치 라인으로 묘사하지 않고 그 중심에있는 문화에 공감하기 때문입니다. 이것은 "Kids"에서 "Gummo", "Mister Lonely"및 "Trash Humpers"에 이르기까지 Korine의 작업 중 가장 중요한 부분입니다. 이것은 모든 업적을 가장자리에서 화려한 분출로 통합합니다.

오직 사랑하는 이들만이 살아남는다

“Only Lovers Left Alive” (Jim Jarmusch, 2013)

모순이 지배하는 영화에 적합한 "Only Lovers Left Alive"는 Jim Jarmusch가 가장 좋아하는 비유의 연장선과 그에게 중요한 주제별 출발을 나타냅니다. 아담과 이브-톰 히들 스턴과 틸다 스윈튼의 학자적인 펑크 뱀파이어-Jarmusch의 id에서 똑바로 찢겨진 것처럼 보입니다. 그들은 하루 종일 낡은 책을 읽고 펑크 록을 들으며 앉아 있습니다. 그들은 재미있는 문학 참고 문헌을 만들고 평범한 퀴즈를 즐기면서 항상 너무 멋지다는 인상을줍니다. 그들은 피를 마 십니다. 그럼에도 불구하고 두 연인은 놀랍도록 잘 조정되어 있습니다. 수세기가 지난 후 아담과 이브는 매우 만족스러운 관계를 맺었습니다. 그들은 자신의 모든 감정을 표현하고 미소로 서로의 단점을 참아냅니다. 그들은 잘하고 있습니다. 문제는 나머지 세계입니다.

Jarmusch의 의도가 명확 해지기까지 오래 걸리지 않습니다. 혈액 오염은 영광스럽고 미묘한 은유로 문화적 부패를 의미하며 음모가 어두워지면서 겉보기에 분리 된 영화 제작자는 인간 관계를 간절히 간청합니다. Jarmusch는 시대 정신을 벗어난 틈새 시장을 개척해 왔기 때문에“Only Lovers Left Alive”가 미국의“트와 일 라잇”집착의 절정에 놓인 것은 아이러니합니다. 그러나 이러한 캐릭터를 다른 영화의 목을 괴롭히는 사람들과 대조하는 것은 Jarmusch의 목소리가 왜 그렇게 소중한 지 이해하는 것입니다. 그는 뱀파이어를 자신의 방식으로 묘사하며 이전 묘사에 대해 조금도 빚을지지 않았습니다. "Only Lovers Left Alive"는 자신의 미학을 완전히 이해하고 자신의 이익으로 만 구성된 세계를 건설 한 예술가의 작품입니다. 바로 비관주의입니다.

우리가 들려줄 이야기

“Stories We Tell” (Sarah Polley, 2012)

Sarah Polley의 놀라운 다큐멘터리 하이브리드“Stories We Tell”은 캐나다 여배우-영화 제작자의 가족 역사와 비밀을 살펴보면서 진실과 신화 사이의 얼룩진 경계를 탐구합니다. Polley는 자신을 일종의 가족 탐정으로 캐스팅하여 어머니의 신비한 죽음을 이해하기 위해 여러 관점과 극적인 재연을 채택한 독특한 영화 회고록을 제작했습니다 (그리고 그녀의 친척들이 항상 그녀를 위해 그것을 액자에 넣었던 방식을 심문합니다). . 그 결과 Polley가 낯선 사람이보고 있을지도 모른다는 생각에 대한 양보없이 그녀의 옷장에있는 해골을 파 내고, 그녀의 어머니를 효과적으로 스크린에서 다시 살아 나게하는 영화 적 의미를 이끌어내는 용감한 개인 영화가 탄생했습니다.

영화가 공개되기 전에 Polley는 영화에서 공개 된 내용에 대해 인터뷰를하지 않는 이유를 설명하는 블로그 게시물을 썼습니다. 그녀가 마침내 영화를 축제 관객들에게 상영했을 때,“Away from Her”영화 제작자는 사람들이 상영 후 그녀에게 다가 왔을 때 그녀의 가족 미스터리에 대해 이야기하고 싶지 않고 자신의 이야기를하고 싶어하지 않는다는 사실에 놀랐습니다. 그녀는 보편적 인 화음을 쳤다.

Madeline's Madeline

“Madeline’s Madeline” (Josephine Decker, 2018)

21 세기의 가장 대담하고 활력을주는 미국 영화 중 하나 인 Josephine Decker의 "Madeline 's Madeline"은 처음부터 용어를 정의한 다음 전통적인 영화 언어의 흔적을 제거하여 Decker를 허용하는 영화 적 실어증을 달성하는 황홀 할 정도로 방향 감각을 상실한 경험입니다. 우리가 말하는 이야기와 이야기하는 사람들 사이의 경계를 다시 그립니다. 미혼모 레지나 (다재다능한 미란다 7 월), 그녀의 억압 할 수없는 10 대 딸 매들린 (삶을 바꾸는 헬레나 하워드), 그리고 그들 사이에 쐐기를 박는 실험적인 극단의 무용담. 야성적 인 에너지와 무한한 비전을 가진 전제. 그 결과는 주류 히트작의 감성적 인 줄다리기를 실험적인 영화로,

그랜드-부다페스트-호텔

“The Grand Budapest Hotel” (Wes Anderson, 2014)

사라진 세상을 위해 울지 마십시오. 그들이 우리에게 준 기쁨에 대해 미소를 짓고 그들의 실수로부터 배우십시오. 향수의 도움없이 과거의 아름다움을 구할 수있는 희귀 한 영화인 웨스 앤더슨의 아찔한 걸작 '더 그랜드 부다페스트 호텔'이 전하는 지혜가 바로이 때문이다. Ralph Fiennes는 전간 유럽 (앤더슨이 매우 사랑하고 성가신 사람이 아니라면 더 많이 사랑할 시대)의 경직된 문화와 정교함을 보여주는 컨시어지 인 까다로운 M. Gustave로서 자신의 경력에서 최고의 공연 중 하나를 전달했습니다. 항상 재미를 망치는 것처럼 보이는 파시스트). 앤더슨은 그랜드 부다페스트에 체크인하는 사람들과 매우 비슷하게 과거에 접근합니다. 잠시 방문하고, 현재를 더 잘 이해하기 위해 배우고, 열쇠를 걸고 체크 아웃 할 수있는 곳입니다.

쉽게 패러디 할 수있는 기이 한 목록 이상의 "그랜드 부다페스트 호텔"은 앤더슨의 스타일과 밀폐 된 전통에 대한 그의 애착을 진정한 세계관으로 변화시킵니다. Anderson과 M. Gustave에게 이러한 것들에 대해 너무 많은 관심을 갖는 것은 우리를 인간으로 만드는 것입니다. M. Gustave가 지망생 나치의 사악한 비난 때문에 도망가는 자신을 발견했을 때, 우리는 그의 은혜와 존엄성 (그리고 교차 키 협회의 도움이되는 형제애)에서 예의가 사람을 만드는 것이 아니라는 것을 알게됩니다. 그들은 또한 당신이 원하는 사람을 만듭니다. 물론 Adrien Brody와 Willem Dafoe가 콧수염을 빙빙 돌리는 기쁨으로 묘사 된 M. Gustave의 사악한 적들은 매너가 전혀 없습니다. 앤드류 사리스는“루 비치에게 히틀러가 나쁜 매너를 가졌다 고 말하는 것만으로도 충분했고 그때는 상상할 수없는 악이 없었습니다. ”“그랜드 부다페스트 호텔”의 파시스트에게도 해당됩니다. 앤더슨이 시간을 초월한 풍성함으로 표현한 교훈이며, 우리 모두가 기억하는 것이 좋습니다.

썸웨어

“Somewhere” (Sofia Coppola, 2010)

본질적으로 "유명한 것의 견딜 수없는 가벼움"소피아 코폴라의 가장 작고 가장 민감한 영화는 오스카상 후보에 올랐던 획기적인 돌파구와 동일한 기본에 대해 또 다른 리프를 제공했습니다. 배우의 마비되고 유명한 경험은 여자가 될 때까지 호텔에 숨어 있습니다 —이 경우 그의 쌍둥이 딸 — 그를 금박을 입힌 새장에서 끌어내어 다시 느끼는 방법을 보여줍니다. 그러나 "Lost in Translation"이 짧은 만남의 마법에 의해 자극 된 곳에서 Antonioni-esque "Somewhere"는보다 영구적 인 관계에 관한 것이며 무조건적인 사랑의 약속이 자신처럼 느끼는 아빠에게 독이 될 수있는 성배가 될 수 있습니다. 전 세계에서 아이들과 함께 보낼 시간이 있습니다.

원을 그리며 운전을 멈추고 결국 차에서 내리는 법을 배우는 남자의 간단하고 햇볕에 얼룩진 이야기는 조니 마르코 (Stephen Dorff, 지치고 완벽한 10 년 동안 가장 잘 실현 된 공연). 그는 Chateau Marmont에서 Lanthimos와 같은 스트립 티즈를보고 움직이는 모든 것과 섹스를하면서 나머지 경력을 마셔서 기쁩니다. 목가적 인 연옥입니다. 누군가가 외부 세계와 그 안에있는 모든 사람을 잊게 만드는 종류의 림보. 그러나 Cleo가 나타납니다. 3 차원 캐릭터에 못 미치는 아이 역할에 대해 미묘하고 호기심이 많은 11 세 Elle Fanning이 연기 한 Cleo는 아빠가 어디 있는지 모르더라도 아빠의 삶에 있기를 원합니다. 갔다.

당신에게 중요한 것을 당신에게 중요한 것 (돈이 더 어렵게 만드는 이상한 방법으로 만드는 투쟁)으로 만들기위한 투쟁에 관한 끝없이 다시 볼 수있는 영화,“어딘가”는 가장 큰 감정을 채굴하는 코폴라의 희귀 한 선물을 강조합니다. 자신에게 고통받는 것이 어떤 것인지 아는 사람에게 계속 강하게 공감합니다.

이것은 영화가 아니다

“This Is Not a Film” (Jafar Panahi & Mojtaba Mirtahmasb, 2011)

2010 년대 영화는 10 년 동안의 지진 변화를 반영했지만 사실 상황은 항상 그리고 이미 변하고있었습니다. 그러나 특정 변곡점을 찾는 것은 헛된 일이지만, 그러한 기발한 검색은 필연적으로 2011 년 5 월에 누군가가 만든 생일 케이크로 이어질 것입니다. 테헤란에서 칸으로 배송 된 케이크 안에 숨겨져있는 것은 USB 드라이브. 그리고 그 USB 드라이브에는이란 정부가 가택 연금을하고 영화 제작을 금지 한 Jafar Panahi의 건방진 새 걸작이 저장되었습니다. 그러나 이것은 영화가 아닙니다. 한 가지는 파나히의 아파트 안에있는 아이폰으로 촬영되었으며, 주로 감독이 촬영 금지에 대한 불만에 초점을 맞추 었습니다. 다른 사람에게는 말 그대로“이것은 영화가 아니다”라고 불렸다.

물론 그것은 영화 였고 그에 대해 화려하고 격렬한 영화였습니다. 그러나 영화 자체에 대한 우리의 정의가 몇 가지 근본적인 방식으로 그리고 잠재적으로 더 나은 방향으로 도전을 받게 될 것이라는 것은 도전적인 신호였습니다. 일부 예술가가 벽에 등을 대고 최선을 다하고 있다는 수완과 자기 반성적인 증거, "이것은 영화가 아니다"는 파나히가 항상 고향이라고 불렀던 "비 민주주의 적 민주주의"에 대한 분노한 가운데 손가락이 아닙니다. 영화의 힘과 궁극적 인 목적에 대한 은하계 뇌 명상. "그냥 이야기 할 수만 있다면 왜 영화를 만들 겠어요?" 파나히가 자신의 아파트 바닥에 앉아이란 정부가 촬영을 허용하지 않았던 또 다른 큰 영화의 이야기를 들려 주면서 스스로에게 묻습니다. 언제나처럼 멋지고 장난기 넘치는 파나히는 자신의 질문에 답하고 있다는 사실을 잘 알고 있습니다.

퍼스트 리폼드

“First Reformed” (Paul Schrader, 2018)

Paul Schrader의 수년간 최고의 영화는 Ethan Hawke가 그의 최고 중 하나이자 불안한 자료와 일치하는 매혹적인 연기로 출연합니다. Hawke의 목사 Toller는 임신 한 여성을 돕고 자 교회의 주요 후원자 뒤에있는 생태적 음모에 대해 알게되면서 신앙의 위기에 직면 한 뉴욕 북부 성직자입니다. 그러나 이것은 전통적인 신학 적 드라마가 아닙니다. 현실에 대한 그의 그립이 천천히 풀리면서 영화의 긴장되고 긴장된 내러티브는 주인공의 관점에 남아있어 관객이 강력한 주제를 안팎으로 고집하게 만드는 충격적인 피날레로 이어진다.

Schrader의 각본은 수십 년 전 스토리 텔링의 전통에 대한 책에서 그가 칭찬 한 초월적인 영화의 전형을 보여줍니다. 매 순간은 그리움과 호기심으로 가득 찬 느리게 타는 태피스트리에 뚜렷한 공포가 산재 해 있습니다. 이 영화는 세계의 미래에 대한 실존 적 불확실성의 순간을 포착하지만,이 모든 것에서 적어도 하나의 낙관적 인 결과가 있습니다. 그것은 마침내 그가 마땅히 받아야 할 감사를받는 미국 대가로부터 최고 수준의 영화를 만드는 것입니다.

패딩턴 2

“Paddington 2” (Paul King, 2017)

사람들이 최악의 자아를 포용하도록 장려하는 한 남자의 악성 암에 의해 자유 세계가 운영되는 당시 Paul King의 숭고한 "Paddington 2"는 우리의 믿음을 무시한 "nicecore"영화 중 최고이자 가장 지적이 많았습니다. 스스로를 지탱하기 위해 서로를 무너 뜨려야합니다. 브렉 시트와이를 가능하게 한 트럼프 외국인 혐오증에 대한 끊임없는 영리하고 비열한 질책으로 말하는 곰과 도난당한 팝업 책에 관한이 유쾌한 속편은 하루가 길고 어리 석습니다.

그럼에도 불구하고 King이 영감을 얻기 위해 찾던 까다로운 Wes Anderson 영화와 마찬가지로 "Paddington 2"는 매우 심각한 문제를 응시하기 위해 코믹한 에너지를 사용합니다. 황폐해진 배우 피닉스 뷰캐넌 (휴 그랜트의 상징)이이 이야기의 악당 일 수 있지만 그의 넓은 비열함은 이민자, 수감자, 어린이를 포함한 광범위한 사람들을 하나로 모아 멋진 영화가 가져야한다는 생각을 반박합니다. 우리 세상의 공포에서 우리를 산만하게합니다. 이 10 년의 후반기는 "지금 당장 필요한 것"이 될 것이라고 약속 한 영화가 지배했지만, 사람들이 서로를 바라 보도록 격려하는 "패딩턴 2"는 그럴만 한 가치가있는 몇 안되는 영화 중 하나였습니다. . 여전히 그렇습니다.

바람이 분다

“The Wind Rises” (Miyazaki Hayao, 2013)

사랑하는 영화 감독 (그리고 스튜디오 지브리의 신수) 미야자키 하야오가 최근 은퇴를 마치고 2020 년 도쿄 올림픽 때 개봉 될 예정인 또 다른 장편을 작업 중이라고 발표했을 때 이상한 일이 일어났습니다. 대부분의 열성적인 팬들은 그가 더 많은 것을 위해 돌아온다는 사실에 실망했습니다. 그들은 반드시 놀라지 않았습니다. 미야자키는 이전에이 스턴트를 시작 했었습니다. 영화에서 가장 뛰어난 작품 중 하나에 또 다른 완벽한 팔다리를 추가 할 수있는 그의 능력을 의심하지도 않았습니다. 반대로 문제는 미야자키가 자신의 힘이 절정에 달했고, 그의 백조 노래가 다른 영화를 만들면 백합에 금을 입힐 위험이있는 예술가로서의 그의 삶을 완벽하게 요약 한 것이었다. 미야자키의 전설을 어지럽히는 것.

시간이 지나면 어떻게 진행되는지 알 수 있습니다 (다른 미야자키는 없을 것이므로이 비평가는 또 다른 미야자키 영화를 볼 생각을 떠 올립니다).하지만 지금은 "The Wind Rises"는 여전히 영화의 가장 감각적 인 폐막 중 하나입니다. 더 이상 그렇게 유지되지 않는다고해서 미야자키의 고문받은 인본주의와 천재성을 얼마나 아름답게 포착하는지에 영향을 미치지는 않습니다.

지브리의 결과물 인“The Wind Rises”를 정의하는 환상과는 거리가 먼 일본 엔지니어 Horikoshi Jiro (“신세기 에반게리온”제작자 Anno Hideaki의 놀라운 목소리로 제작)의 (가상화되고 합성 된) 전기 화입니다. 진주만을 공격하는 데 사용 된 A6M Zero 전투기. 어떤 사람들은이 영화가 제 2 차 세계 대전에서 일본의 역할을 비판하고 나치 동맹국을 가해자가 아닌 희생자로 그린다는 설득력있는 주장을했지만, 다른 사람들은 세 행키 멜로 드라마가 진정한 대가에 대한 아쉬운 명상으로 결심한다고 느꼈다. 아름다운 것을 만드는 것; 모든 장면에 잠재적 인 죄책감이 그려집니다.

미야자키는 항상 항공학에 집착 해 왔지만 일중독 아버지의 손에있는 가족을 포함하여 다양한 종류의 부패에 사로 잡혀 왔습니다. 우리 꿈의 순수함과 그들이 요구하는 폭력 사이의 변덕스러운 관계 때문에 현실이됩니다. 네, "바람이 솟아 오릅니다"는 살인 기계를 상상 한 한 남자의 초상화이지만, 미야자키는 자신의 창조물의 궁극적 인 가치를 평가하기 위해 고군분투하는 남자의 자화상으로 파괴적으로 재구성 한 것입니다. 돌이켜 보면 미야자키는 결코 그것을 떠나 영원히 떠나지 않을 것입니다. 그는 이것이 그의 폐로 공기를 끌어들이는 유일한 것임을 알고 있습니다. “바람이 떴다!” 시인이 말했다. “우리는 살려고 노력해야합니다.”

매직-마이크 2

“Magic Mike XXL” (Gregory Jacobs, 2015)

Steven Soderbergh의 "Magic Mike"는 단단한 복근과 더 어려운 경제에 대한 멋진 작은 영화입니다.이 영화는 자신의 나라가 주변을 잃어 버리는 상황에서 침체를 유지하려는 사람들의 기름진 불황 시대의 초상화입니다. 반면에 "Magic Mike XXL"은 매우 다른 것을 염두에 두었습니다. 바나나 해먹의 Busby Berkeley 뮤지컬보다 덜 기초적인 드라마 인 Gregory Jacobs의 행복감 속편은 원작의 진지함을 모두 가져와 먼지로 만들었습니다.

그 소리만큼 소름 끼치 지 않는 방식으로 소년 시절의 순진함으로 독신 파티의 장난 꾸러기, Jacobs의 자유로운 걸작은 Mike (Channing Tatum의 가장 순수한)와 나머지 남성 스트리퍼 친구들을 따라갑니다. 조지아 주; 그들 모두가 자라서 각자의 길을 가야하기 전에 "마지막으로 한 번 타고". 10 년 동안 가장 황홀한 싱글 영화는 잊을 수없는 댄스 번호에서 다음으로 이동하며 내러티브 갈등이나 실제 이해 관계가없는 다음 단계로 이동하지만, 아쉬운 최종 감으로 흘러 내리고 절제되지 않은 기쁨의 패키지에 묶여 있습니다.

태그 팀 피날레에서 즉석 주유소 쇼에 이르기까지 각 세트 피스는 시스 티나 예배당에 직접 상영되어야하는 즉흥적 인 주유소 쇼에 이르기까지 Yuen Woo-ping 전투 장면의 기쁨과 발레 시즘으로 안무가 구성되어 있습니다. 진정으로 서로를 사랑하는 캐릭터. 이들의 우정의 무게는이 사람들이 당신의 위를 갈고 닦지 않을 때조차도 "포니"가 스피커에서 너무 큰 소리로 울려서 아무도 미래의 사이렌의 부름을들을 수 없습니다. 남자들은 이번 10 년 동안 그렇게 멋져 보이지 않았지만 "Magic Mike XXL"에서는 안팎이 아름다웠습니다.

아무르

“Amour” (Michael Haneke, 2012)

"Funny Games", "The White Ribbon", "The Piano Teacher"와 같은 대담하고 본능적으로 혼란 스러워진 후, Michael Haneke의 11 번째 장편 뉴스는 대담한 속도 변화 또는 끔찍한 농담을 나타내는 것으로 나타났습니다. 그의 부모님으로부터 영감을받은 강렬한 러브 스토리는“아모르”라고 불릴 것입니다. 돌면의 오스트리아 도발가가 똑바로 연주하는 것으로 밝혀졌습니다. 사람들이 "죽음이 우리를 갈라 놓을 때까지"라고 말할 때 그것이 의미하는 바를 굳건히 이해하지 못한 Haneke는 그의 경력에서 가장 간단한 영화를 제공했습니다. 그리고 결과적으로 가장 충격적입니다.

이 잔인한 가족 이야기를 위해 Haneke는 평소 스타일보다 더 단순하고 포함 된 미장센을 채택하여 부유 한 연로 한 커플 (훌륭한 Emmanuelle Riva 및 Jean-Louis Trintignant)이있는 파리 아파트로 캔버스를 축소했습니다. 14 년 만에 그의 첫 번째 영화에서 연기하기로 합의)는 썩어가는 시체와 싸우도록 남겨졌다. 두 캐릭터의 감정적 관계에 집중하기 위해 Haneke는 장소, 시간, 행동의 세 가지 고전적인 통일로 돌아 왔습니다. 그 절제된 접근 방식은 Trintignant와 Riva에 대한 우리의 관심을 집중시키고, 남편과 아내의 이야기가 가슴 아픈 결론을 향해 도약하면서 거의 참을 수 없을 정도로 만져 볼 수있게합니다. 결혼 생활을 즐길 수 있습니다.

우아하게 제작 된 단종 드라마는 칸에서 울고있는 청중들을 난파 시켰고, 그곳에서 Palme d' Or를 집으로 가져가 Best Picture 후보에 올랐습니다. 85 세의 가장 나이 많은 여우 주연상 후보 인 리바는 오스카상에서 마지막 기회를 빼앗겼다.

보이후드

"Boyhood"(Richard Linklater, 2014)

오래 전, Richard Linklater는 7 살부터 10 대가 끝날 때까지 아이의 발달에 따라 영화 제작을 시작했습니다. 제작 역사에 대한 정보를 요구하는 프로젝트가 있었다면 "Boyhood"가 바로 그것입니다. 범위에서 서사적이지만 전체적으로 가정하지 않는 Linklater의 믿을 수 없을 정도로 연대기를 포함하는 것은 가상의 스토리 텔링에서 전례없는 업적을 나타냅니다. 가장 가까운 비교 지점 인 Michael Apted의 "Up"다큐멘터리에는 동일한 비전의 특이점이 포함되어 있지 않습니다.

10 년 이상에 걸쳐 39 일에 걸쳐 촬영 된 "Boyhood"는 성숙의 과정을 현미경 아래에 놓고 그 뉘앙스를 놀라운 세부 사항으로 분석하는 완전히 유동적 인 작품입니다. 그 이상으로, 그것은 하나의 의식적 경험에 공급되는 애매한 자질을 증폭시킵니다 : 우리의 어수선한 메모리 뱅크로 사라지기 전에 의미 있고, 극적이거나, 재미 있거나, 무섭게 보일 수있는 순간을 지나가는 것입니다. "소년"의 "이야기"는 세월이 흘러가는 동안에도 우리를 작은 제쳐두고 우리를 매료시키는 능력보다 덜 관련성이 있습니다. Linklater는 그의 많은 영화에서 볼 수있는 시간과 실존 적 갈망에 대한 그의 매력을 공고히하지만, 결코 여기에 힘이 없습니다. "Boyhood"의 궁극적 인 승리는 그 광채가 당신에게 스며든다는 것입니다.

O.J.: 메이드 인 아메리카

“O.J.: Made in America” (Ezra Edelman, 2016)

Ezra Edelman은 세계가 OJ Simpson 이야기에 대한 또 다른 외설적 인 이야기가 필요하지 않다는 것을 잘 알고 있었고, 역사상 가장 추악한 타블로이드 스캔들 중 하나에 더 많은 물음표를 넣을 수있는 새로운 증거를 파헤치는 데 전혀 관심이 없었습니다. 대신, 그의 엄청난 8 시간의 "OJ : Made in America"는이 나라의 거의 모든 사람들이 이미 알고있는 무용담을 재구성하기 위해 큰 발걸음을 내디뎠습니다. LAPD와 로스 앤젤레스의 아프리카 계 미국인 커뮤니티 사이의 관계에 대한 특별한 시선으로 미국의 인종 편견의 역사를 만화경으로 보는 심슨의 전 생애를 에델만은 수 십년 간의 소름 끼치는 소문을 벗겨서 치유되지 않은 상처.

영화의 밑바닥없는 아카이브 영상물은 전통적인 비롤 역할을하지 않고 대신 다른 렌즈를 통해 과거를 볼 수있는 감성적 인 창이됩니다. Edelman의 지성과 엄격한 비전을 통해 Simpson의 삶과 미국의 인종적 애니 무스의 긴 원호가 하나로 융합되어 사람들이이 이야기에서 찾을 수 없을 것으로 기대하지 않았던 불편한 진실 스펙트럼을 드러냅니다. 이것이 바로 "Made in America"가 그러한 파괴적인 행동처럼 느껴지는 이유입니다. 6 천만 명 이상의 미국인이 ESPN (및 기타 다양한 플랫폼)에 동조하여 재열 된 역사 수업의 빛을 만끽하고 있습니다. 영원한 위기에 처한 나라의 갈등 한 영혼.

버닝

“Burning” (Lee Chang-dong, 2018)

긴 퓨즈와 그 뒤에 타는 땅 밖에 남지 않는 마지막 장면이 담긴 비밀스러운 이야기, 이창동의 '불타는'은 2018 년 칸에서 크루 아 제트를 발화 시켰고, 그 열정은 거기서부터 커졌다. 무라카미 하루키의 (매우) 단편 소설에서 자유롭게 각색 한 이의 칙칙한 서사시는 세 명의 캐릭터를 중심으로한다 : 야심 찬 작가 (이종수 유아 인), 성형 수술로 변신 한 감질 어린 친구 (전종수) seo), 아프리카 여행에서 만나는 깔끔하지만 신비로운 새 남자 친구 (스티븐 연). 잘 생긴 낯선 사람에 대한 종수의 초기 의혹이 미스터리하게 묶인 소녀가 실종되자 마지 못해 적대감으로 끓어 오르자, 트리오는 기괴한 삼각 관계에 사로 잡힌다.

연은이 영화의 수수께끼를 사회주의적인 매력으로 가득한 화려한 연기로 고정시키고, 유와 전은 사람들이 어둠 속으로 빠져들 자 체포한다. 외로움, 노동자 계급의 좌절감, 그런 것들이 촉발하는 무력한 남성의 분노의 생생한 초상화.“버닝”은 세 부분 모두에서 화려한 연기를 뿜어 내며, 전이 마일즈 데이비스에게 춤추는 멋진 장면으로 영원히 피부를 노래합니다. 토플리스, 돌로, 불이 붙은 하늘 앞에서 자유 로워졌습니다.

겟 아웃

“Get Out” (Jordan Peele, 2017)

영리한 전제의 기본에서부터 그랜드 기뇰 피날레의 유혈 사태에 이르기까지 조던 필의 "탈 인종적"미국의 환상에 대한 반응에 대한 쇠망 치는 마치 전국에 걸쳐 한꺼번에 폭파 된 직접적인 도발처럼 느껴졌습니다. 물론 영화의 적시성 덕분에 영화가 훨씬 더 긴박함을 느끼는 데 도움이 되었기 때문에 2016 년 선거 후 불과 몇 달 만에 "Get Out"이 개봉되었습니다. 그리고 흑인 청중에게는 카타르시스를 아는 새로운 수준.

Peele의 우려는 백인 청중들이 백인 여자 친구 가족의 사악한 계략에 덫을 놓는 흑인 (훌륭한 다니엘 칼루 야)에 관한 영화 (모든 백인 캐릭터가 순수한 사악한 영화)를 볼 수 있는지 여부였습니다. 작가 겸 감독은 영화 데뷔 전 인터뷰에서“백인들이 군중 속에있는 흑인들과 악당되는 것을 두려워해서 영화를보고 싶지 않다면 어떨까?”라고 말했다. 사실, 백인 가족 전체를 끔찍하게 학살하는 흑인 남성의“인종 영화”이미지는 대통령이 인종적 애니 무스로부터 권력을 끌어 당기는 당시 그 어느 때보 다 급진적입니다. 그러나 백인 청중들은 몰려 들었다. 그들이 할 수 있었다면 그들은“나가기”를 세 번 보았을 것입니다. 한편 흑인 시청자 여러분, 새로운 세대를 위해 효과적으로“Sweet Sweetback의 Baadasssss Song”영화로 취급되었습니다. 장르 비유를 사용하여 미국의 인종적 비인간 화의 근본적인 역사를 무장 해제 할 정도로 재미있는 펀 하우스 거울에 반영한 영화. 공포는 거의 명확하지 않습니다

팬텀 스레드

"Phantom Thread"(Paul Thomas Anderson, 2017)

2017 년 말에 "Phantom Thread"가 마침내 공개되기 전에 Paul Thomas Anderson의 여덟 번째 장편은 고전적인 영국 멜로 드라마보다 "Fifty Shades of Grey"와 공통점이 더 많은 S & M 시대 작품이라는 소문이 돌았습니다. 이 이야기가 설정 될 즈음에 만들어졌습니다. 사실, 유명한 양장점 (Reynolds Woodcock으로 경력을 쌓은 Daniel Day-Lewis)과 그의 뮤즈가 엄격하게 PG 사건으로 밝혀 졌을 때 그가 취한 부드러운 말을하는 웨이트리스 Alma (Vicki Krieps)에 대한이 비뚤어진 러브 스토리입니다. 옷을 벗는 것보다 옷을 더하는 데 훨씬 더 관심이 있습니다. 그러나 결국 단추가 달린 순 결함은 앤더슨이 사랑과 통제, 지배력 및 복종에 대한 설득력있는 작품을 꿰맬 수있게 해준 바로 그 작가가 오트 도피주의와 집에 훨씬 더 가까운 것 사이의 바늘을 꿰매는 것과 같습니다.

"팬텀 스레드"가 앤더슨의 가장 개인적인 특징 인 것처럼 느껴지는 것은 일부 시청자를 놀라게 할 수도 있지만 열렬한 팬들은 모든 프레임에 꿰매어진 증거를 볼 수 있습니다. 디테일에 대한 세심한 눈, 까다로운 직업 윤리, 주변 환경에 대한 강박 관념으로 앤더슨은 레이놀즈에서 완벽한 영적 쌍둥이를 만들었고 까다로운 디자이너는 앤더슨 자신의 자아를위한 이상적인 그릇이되었습니다. 감독은 여기에서 너무 손을 뗐기 때문에 Mark Bridges의 화려한 의상 디자인과 수십 년에 걸친 좌절감으로 쿵쾅 거리는 Jonny Greenwood 악보를 통해 자신의 놀라운 영화 촬영을 직접 촬영하기도했습니다. 크리프 스와 레슬리 맨빌은 둘 다 우드 콕의 여성으로서 비범하며, 이들에 대한 영화의 경외심은 영광스럽게 뒤틀린 메아 쿨 파로 성장합니다.

"Phantom Thread"는 중앙 로맨스의 추악함을 가져 와서 앤더슨이 "Rebecca"(좋은 척도를 위해 "The War of the Roses"의 냄새와 함께)와 같은 곡을 사용하여 흠 잡을 데없이 오래된- 집착의 유행 초상화. Anderson은 이미 균형을 위해 서로를 필요로하는 두 명의 이상한 사람에 대해 여러 번의 기발한 듀엣을 만들었지 만 Krieps의 연주의 교활한 천재성-Alma가 천천히 레이놀즈에게 그림자를 드리 우고 스스로 바퀴를 제어하는 방식-아름다운 사람들이 파트너의 약점에서 비롯되는 추악한 힘에 대한 이야기에 새로운 주름. 결국 Anderson은 무력 함이 그 자체로 진정한 즐거움을 제공 할 수 있다고 인정했습니다.

토니 에르트만

“Toni Erdmann”(Maren Ade, 2016)

지난 10 년 동안 선택할 수있는 비명을 불러 일으키는 코미디가 많았지 만 (일부는 다른 것보다 더 고의적) Maren Ade의 "Toni Erdmann"은 장소를 되찾기위한 장난스러운 아버지의 탐구에 대한 무자비하고 우스꽝스러운 초상화를 건드릴 수 없었습니다. 딸의 불임의 고약한 삶에서 종종 히스테리적이고 고통스럽고 (3 막의 기억에 남는 알몸 파티 장면보다 더 이상 보지 마십시오), "보디 가드"이후 휘트니 휴스턴 노래를 가장 잘 사용하는 본거지 인 Ade의 서사적 비극 코미디는 장대 한 도발이지만 162 분짜리 독일 영화는 배우 Sandra Hüller와 Peter Simonischek의 천재성을 완전히 채굴하여 서로의 도움을받을 수있는 두 사람의 진정 감동적인 초상화가되는 길에 있습니다. "Toni Erdmann"은 끊임없는 재미 있고 복제가 불가능합니다.Ade의 영화가 나온 이래로 개발이 시들 해졌습니다.

콜 미 바이 유어 네임

"Call Me by Your Name"(Luca Guadagnino, 2017)

기적적으로, Luca Guadagnino는 십대의 첫 여름 사랑만큼 덧없고 무한한 모습, 소리, 느낌을주는 영화를 만들었습니다. 이탈리아 별장의 황금빛 빛이나 아이의 첫 번째 상심을 목격 한 아버지의 웃는 눈과 비슷하다는 것을 누가 알았습니까? 아니면 창가의 합창 소리가 바람에 찰칵 소리를 내거나, 나무 문이 세게 부딪 히거나, 반숙 계란 위에 숟가락의 서투른 두드리는 소리가 들릴 수 있습니까? 그리고 — 그들이 처음으로 예쁜 얼굴에 정신을 잃은 곳으로 그들을 데려 간 어두운 영화관에서 가슴을 움켜 잡을 수 없었다면 — 사랑이 분수 속으로 느리게 굴러가는 것처럼 느껴지거나 촉촉한 복숭아의 내부?

"달빛"이 10 년 동안 퀴어 성인이 된 영화라면 "Call Me By Your Name"은 웅장한 게이 로맨스입니다. 그 시대의 '브로크 백 마운틴'은 실제 동성애자의 연출에 더욱 감미롭고 민감 해졌다. 섹슈얼리티에도 불구하고 그런 식사를 사랑으로 만드는 최근 영화는 생각하기 어렵다. 지난 10 년 동안 로맨틱 코미디와 함께 로맨틱 드라마가 사라지는 것을 보았지만, 'Call Me by Your Name'은 다시 사랑에 빠지게 만들었다. Timothée Chalamet과 Armie Hammer가 짧은 반바지를 입고 서로를 응시하는 광경뿐이었습니다. 갑자기 우리는 죽는 것보다 말하는 것이 항상 낫다는 것을 영구적 인 방식으로 알았습니다.

월드 오브 투모로우

"World of Tomorrow"(Don Hertzfeldt, 2015)

인생에서 몇 안되는 정말 완벽한 것 중 하나이며 10 년 동안 가장 인용 할만한 영화를 손에 넣는 Don Hertzfeldt의 17 분짜리 "내일의 세계"는 끊임없는 기쁨의 닫힌 고리 안에 포함 된 큰 아이디어의 흠 잡을 데없이 분출 된 것입니다. Hertzfeldt가 디지털 애니메이션의 기본을 가르치기위한 핑계로 생각하고, 4 살 난 조카의 대본이없는 녹음을 바탕으로 작성되었으며, 인생이 어리석기 때문에 우승하지 못했다는 오스카상 후보에 올랐습니다.이 황홀한 서사시는 이야기를 알려줍니다. 시간 여행을하는 성인 복제 인 (Julia Pott의 목소리)이 방문하여 우리 종족의 지독하고 유쾌한 미래에 대한 회오리 바람 여행을 떠난 에밀리 프라임이라는 잊혀진 어린 소녀의 이야기입니다.

표면적으로 "내일의 세계"는 들쭉날쭉 한 컴퓨터 이미지의 다채로운 버스트를 헤매는 한 쌍의 막대기처럼 보입니다. 그들 중 한 명은 달 바위와 사랑에 빠지고 너무 외로워서 죽음을들을 수 있다고 말한다. 다른 하나는 삼각형을 그립니다. 그러나 듀오가 시작한 곳으로 돌아올 무렵에는 시간과 공간을 통한 순환 모험이 어떻게 든 현재의 소중함에 대한 형언 할 수 없을 정도로 심오한 명상으로 해결되었습니다. "Young Sheldon"의 에피소드보다 짧은 영화에서 무엇을 더 원할 수 있습니까? 그것은 수사적인 질문이지만 Hertzfeldt는 어쨌든 대답 할 수있을만큼 친절했습니다. "World of Tomorrow Episode Two : The Burden of Other People 's Thoughts"는 2017 년에 공개되었으며, 첫 번째 기사만큼 암울하고 영광 스럽습니다.

소셜 네트워크

"The Social Network"(David Fincher, 2010)

페이스 북이 자신의 이미지로 그것을 창조 한 사람에게 낭비를 주기만하면 언제나 그랬던 영혼을 분쇄하는 거물로 떠오르는 영화보다 멋진 것은 무엇일까요? 10 억 달러. 오, 그리고 묘사 된 것과 똑같은 영화이지만 제시 아이젠 버그가 그의 최고의 역할 중 하나에 주연을 맡은 저스틴 팀버레이크는 실제로 아론 소킨의 각본과 데이비드 핀처가 감독 한 그의 비명에 기대어 있습니다. Mark Zuckerberg가 자신과 그의 유산을 상상하고 싶어하는 것처럼 매끄럽고 멋지고 깔끔한 것처럼 — 실제로 그런 것은 아닙니다.“The Social Network”는 분당 추가 공명을 일으키는 괴상한 셰익스피어 비극처럼 펼쳐집니다.

시의 적절한 영화가 있고 2010 년에 오스카상 후보 8 개 (최우수 각본을 포함한 3 개 우승)를 달성하기에 충분했던 "소셜 네트워크"가 있습니다. 지금은 거의 10 년이 지난 지금은 치열하고 예리하며 필수적인 것처럼 보입니다. 나중. 가짜 뉴스, 트위터의 부상, 그리고 지옥의 Tik Tok이 무엇이든간에 "소셜 네트워크"는 페이스 북이 어떻게 생겨 났는지에 대한 스릴 있고 메스 꺼운 탐구이자 필연적으로 무엇이 될지에 대한 혹독한 기소입니다. 보너스 : Armie Hammers 두 개, 단 한 개보다 시원합니다.

송곳니

"Dogtooth"(Yorgos Lanthimos, 2010)

“Dogtooth”가 칸 영화제 사이드 바에 등장한 이후 10 년 동안 Yorgos Lanthimos는 이상한 이야기의 자만심을 인간의 행동에 대한 재미 있고 영감을주는 논평으로 왜곡하는 대가로서 국제적으로 존경받는 작가가되었습니다. 그 실적을 감안할 때,이 2 학년의 노력이 청중을 방해했을 때 얼마나 충격적 이었는지 잊어 버리기 쉽습니다. Lanthimos의 Orwellian은 자녀를 봉쇄 상태로 유지하는 혼란스러운 부모 세트를 바라보며, 자녀가 세상 전체를 제한한다고 가정하는 기괴한 일련의 의식을 고수하도록 강요하고 한 번에 많은 비유를 합칩니다 : 그것은 혼란스러운 교외 풍자이며 끔찍한 디스토피아 스릴러, 떠오르는 성적 정체성에 대한 명상, 세대 간 폭력.

그것은 또한 더 큰 혼란스러운 그림의 맥락에 모두 들어 맞는 무수한 이상한 왜곡을 허용하는 발명 된 세계에 일관된 논리로 다가올 많은 Lanthimosian 이야기의 템플릿을 만들었습니다. Lanthimos는 도발 사로 여겨지지만 실제로는 낯선 문명의 의식 중 일부를 외계인이 될 때까지 특정 극단으로 가져 가서 찌르는 기발한 예술가입니다. 실수하지 마십시오. "Dogtooth"는 가족 가치를 타락한 궁극적 인 본능으로 여기는 가족 가치에 대한 혹독한 기소입니다. 그것은 집에 너무 가깝기 때문에 최근 기억 상 가장 파괴적인 영화 제작 업적입니다.

리바이어던

"Leviathan"(Vérena Paravel & Lucien Castain-Taylor, 2012)

“Leviathan”에는 너무나도 아슬 아슬한 순간이있어서 익숙한 것을 잊기 쉽습니다. 다큐멘터리 인 Vérena Paravel과 Lucien Castain-Taylor는 상상할 수있는 거의 모든 각도와 불가능한 몇 가지 각도에서 매사추세츠 해안에서 한 쌍의 어선을 따라갑니다. 어부 헬멧에 고정 된 작은 디지털 카메라로 캡처하고 파도 아래에 던져져 흩어져 있습니다. "Leviathan"을 채우는 시각 효과는 해리 효과를 만들어냅니다. 대화는 드물고 멀고 거대한 기계, 바람 및 물에 빠져 빠져 나갑니다.

영화는 다른 행성에서 일어날 수 있습니다. 대신, 그것은 엉망이고 완전히 신선한 관점에서 이것을 쳐다 본다. Harvard의 Sensory Ethnographic Lab의 스타 영화 제작자는 영화 예술을 전달하는 수단으로 디지털 기술의 가장 훌륭한 삽화 중 하나를 제공합니다. 그러나 그러한 높은 야망조차도 인간과 자연에 대한이 흡수적인 모습의 본질적인 영향을 불러 일으킬 수 없습니다. 움직임과 소리의 혼란스러운 발레. 과잉 생산 된 IMAX 자연 다큐멘터리보다 "Leviathan"은 자연 세계의 경이로움을 완전히 새로운 차원으로 수정합니다.

트리 오브 라이프

"The Tree of Life"(Terrence Malick, 2011)

10 년 동안의 궁극적 인 영화 명상과 유감스럽게도 가장 강력한 마케팅 영향 중 하나 인 Terrence Malick의 Palme d' Or 수상 경력에 빛나는“The Tree of Life”는 전설적인 작가가 역사적 서사에서 벗어나 더 친밀하고 고백적인 의미 검색을 향한 방향으로 전환하는 것을 보았습니다. 그 이후로 계속 만들고 있습니다. 그러나 분명한 이유로, 이것은 그의 가장 개인적인 영화로 남아 있으며 그의 자유로운 접근 방식을 도움을 구하는 희망적인 외침으로 가장 잘 연마 한 영화입니다.

1950 년대 텍사스에서 감독 자신의 어린 시절을 되살린“The Tree of Life”는 매 프레임에서 Malick이 자신의 믿음을 가지고 씨름하는 것을 느낄 수 있도록 시간을 썰물과 흐르게합니다. 이 이야기는 미스터리 한 상황에서 중년이 사망 한 교외 부부 (브래드 피트와 제시카 채 스테인)에게 고정되어있다. 그들의 장남 (Hunter McKracken, 어린 말릭의 눈이 넓은 대리자)은 부모의 슬픔에 대한 신비한 증언을하고 있으며, 목가적 인 집과 그 주변 세계 사이에서 들리는 불화에 점점 더 조율되고 있습니다.

비전이 그렇게 광대하거나 정확하지 않은 Malick은 빅뱅 (영화의 20 분 분량의 "우주의 창조"시퀀스가 거의 성경적 경외심으로 펼쳐짐)만큼 우주적인 사건과이 내적 갈등을 병치합니다. 신생아 발의 부드러움을 느끼는 어머니. Malick이 촬영 감독 Emmanuel Lubezki와 함께 만든 무중력 미학 언어는 곧 자기 패러디의 재료가 될 것이지만 여기에서는 향수의 달콤한 고통과 성간 무의미한 느낌이 한꺼번에 물들어 있습니다. “The Tree of Life”를 보는 것은 누군가가 우주에서 자신의 위치를 찾는 것이며, Malick의 영화의 카타르 틱한 마지막 장면은 우리 모두가 겸손한 렌즈를 통해 자신을 바라 보도록 격려합니다.

엉클 분미

“Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives” (Apichatpong Weerasethakul, 2011)

태국 멀티미디어의 뛰어난 재능을 지닌 Apichatpong Weerasethakul은시와 신비한 영화 디자인을 조화시키는 조밀 한 시각적 수수께끼처럼 보이는 영화를 연출하는 데 경력을 쌓았습니다. 그러나 그의 초기 기능이 내러티브 추구를 취하기보다는 지적인 운동으로 더 활력을 불어 넣었던 곳에서, 그의 Palme d' Or 수상작 "그의 과거의 삶을 기억할 수있는 Boonmee 삼촌"은 유령 원숭이와 커 닐링 구스의 유쾌한 판타지 영역으로 그의 평범한 접근 방식을 조종했습니다. 행복한 메기.

타이틀 캐릭터는 숲에 살고 병으로 죽어가는 중년 남성이다. 어느 날 저녁, 조카가 방문하는 동안 분 미는 오래전 죽은 아내와 실종 된 아들의 유령을 만난다. 그들은 죽음이 그들에게 가져다주는 이주 감에 대해 이야기하고, 이상한 어조와 죽음에 대한 진지한 서정적 관찰과 결혼합니다. 하지만 위라 세타 쿨은 우리보다 더 진지하게 그 장면을 받아들이지 않습니다. 또 다른 살아있는 사람이 테이블에 합류하고 절충주의 그룹을 받아들이고 "나는 여기서 이상한 사람인 것 같습니다."라고 결론을 내립니다.

'분미 아저씨'는 시적이고 우주적인 힘을 조심스럽게 융합하여 그 기이함을 유지하고, 영화의 지속적인 마법은 모든 시청자가 '이상한 것'처럼 느끼게 만드는 방법에 뿌리를두고있다. 무성한 이미지는 Weerasethakul의 수수께끼 같은 음모를 강조하고 이야기는 동시에 접근 가능하고 비밀스럽고 놀랍도록 장난스런 방식으로 민속, 기억 및 죽음과 씨름합니다. 그의 음모만큼이나 다른 세상의 세력의 안내를받은 위라 세타 쿨은 내러티브 혼란을 그의 가장 큰 트릭으로 바꿉니다.

더 울프 오브 월 스트리트

“The Wolf of Wall Street” (Martin Scorsese, 2013)

"Casino"보다 더 풍부하고 "Goodfellas"보다 크고 "The Last Temptation of Christ"보다 더 끔찍하며 Martin Scorsese가 이전 또는 이후에 만든 그 어떤 것보다 더 재미있는 "The Wolf of Wall Street"는 다음 중 하나로 기억 될 운명입니다. 감독의 가장 위대한 영화. 결국. 언젠가 모든 것이 소실 된 후, 우리 모두는 극단적 인 자본주의의이 방탕 한 풍자 만화를 되돌아보고 그 과잉의 정직함을 인식 할 수있을 것입니다. 그러나 당신이 불타 오르는 동안 집에 불이 붙는 모습을 보는 것은 어렵습니다. 여전히 건물 안에 갇혀 있습니다. 조던 벨 포르의 더 냉정한 초상화보다 돈과 도덕성 사이의 관계를 더 잘 탐구하는 3 시간 분량의 전기 영화 (Bresson의 "L' Argent"의 이쪽의 어떤 영화보다 낫다),

이 영화가 스콜세지의 가장 성공적인 영화가 된 것은 사실이지만, 일부 사람들은 잘못된 이유로 그것을보고 독의 성배에서 열심히 훔쳐 갔기 때문에이 영화를 그토록 의롭게 만드는 것은 바로 도덕성의 부족입니다. 레오나르도 디카프리오가 핫 버푼 모드로 들어가 그의 경력에서 가장 큰 성능을 발휘할 수 있도록 힘을 실어주는 이유, 마고 로비의 금을 파는 섹스 팟을 잊을 수없는 상향 이동성 아이콘으로 바꾸어 놓은 것, 그리고 시나리오 작가 인 테렌스 윈터가 Ponzi 계획을 사람들이 진정으로 원하는 것을 명확하게 보여줍니다.

“The Wolf of Wall Street”는 Jordan Belfort를지지하지 않습니다. 탐욕이 좋다고 주장하지 않습니다. 선량한 사람들이 지하철을 타고 "재미있는 쿠폰"을 가지고 놀기 위해 남겨진 급식으로 쇠약해진 카일 챈들러가 선한 사람들을 대표하는 영화 "월스트리트의 늑대"는 단순히 용감한 생각으로 탐욕은 재미 있습니다. 결국 우리를 파산 시켜도 멈출 수없는 쇼다. 기회는 미국이 약속하는 것이지만 스콜세지는 탐욕이 보상하는 것임을 알고 있습니다.

레이디 버드

“Lady Bird” (Greta Gerwig, 2017)

Greta Gerwig의 성인용 매력자인“Lady Bird”의 시조 여인 Christine“Lady Bird”McPherson (모든 역할에 대해 더 많이“탈출”하는 것처럼 보이는 탈주 Saoirse Ronan)이 선호하는지 질문합니다. 별명은 실제로 그녀의 이름입니다 (물론 아닙니다). 턱을 세우고 어깨를 뒤로 젖히고 그녀는“내 자신에게 주었다. 내가 준 것입니다.” 이것이 Lady Bird의 전체 정신입니다. Gerwig의 영화는 그녀의 솔로 감독 데뷔작이기도하다. 그녀는 그녀의 감성에 맞지 않는 새크라멘토 교외의 사립 가톨릭 기관인 Immaculate Heart High School에서 3 학년 때까지 Lady Bird를 따라 간다.

Lady Bird로서 Ronan은 모든 에너지와 정신, 불안 함, 새로운 무언가, 그 이상, 다른 무언가에 눈을 뗄 수없는 십대입니다. 그녀는 모든 것을 알아 내지 못했고 그럴 필요도 없습니다. 그녀가 오스카 수상자 인 Laurie Metcalf, Breakout Beanie Feldstein, 그리고 Lucas Hedges와 Timothee Chalamet에 대한 매우 다른 (하지만 똑같이 "마약") 사랑의 관심사를 포함하여 에이스 조연 출연자들에 둘러싸여 있어도 아프지 않습니다.

자신의 재치와 괴팍함을 지닌 장르를 기반으로하는 만족스럽고 날카로운 성인의 성년 이야기 — 주요 여성이 움직이는 차량에서 몸을 내 던지고 함께 끌어 당기는 10 대 중심의 모든 영화가 아닙니다. 똑같은 풍성함으로 눈물을 흘리는 최종 시퀀스 —이 영화는 큰 화면을 치는 순간 즉시 고전적이었습니다. 그것은 그녀의 영향력에서 종종 "세대"라고 불리는 재능의 종류 인 Gerwig를 다음의 위대한 미국 영화 감독으로 만들었고, 그것은 단지 "레이디 버드"라는 엄청나게 불편한 추수 감사절 축제와 그것이 만드는 삶을 장식하고있었습니다.

매드 맥스 분노의 도로

"Mad Max: Fury Road"(2015)

비행기에서 처음으로 꿈꿔온 영화입니다. 영화 감독 조지 밀러는 고국 호주로 돌아가는 긴 비행을하던 중 눈을 감았을 때 무자비한 장군을 피해 5 명의 아내를 피할 수있었습니다. 15 년이 지난 후 3,500 개의 스토리 보드가 생성되었습니다. "Mad Max"라는 모래 폭발의 종말에 처음으로 뛰어든 이후 여러 생애 동안 Miller는 드디어 자신의 꿈을 현실로 만들 수있었습니다.

스튜디오 영화 제작의 규칙을 강압하는 거의 말이없는 논스톱 액션 영화인 "Mad Max : Fury Road"는 밀러가 서부 비유를 계속해서 반복하며 황무지로 돌아가 말과 구덩이 생존자들을위한 바퀴를 대체 한 이야기를 발견했습니다. 방사능에 중독되고 자원이 부족한 적대적인 사막에서 서로에 대한 종말. 이번에는로드 워리어가 Tom Hardy가 연기하지만, 외팔이 달린 Imperator Furiosa (전직 무용수 Charlize Theron은 그녀의 경력에서 가장 힘이 넘치고 신체적 역할을 담당했습니다)과 그녀의 동료 인 전쟁 신부입니다. 인류를 되찾기 위해 운전합니다.

1,700 명의 승무원이베이스 캠프의 여러 축구장에 흩어져있는 밀러의 엄청난 팀이 Jenny Beavan의 세부적인 의상부터 150 대의 손으로 만든 차량과 120 일 동안 촬영 한 여러 디지털 카메라에 이르기까지 그의 상상력을 실현했습니다. 그 누구도 실용적인 효과와 CGI 효과를 통해 구성된 영화의 복잡한 액션 시퀀스를 구상하고 실행할 수 없었습니다. 밀러는 속도를내는 데크 아웃 듄 버기 제어실 내부에서 액션을 지시하여 한 번에 여러 스턴트를 조작했습니다. 무게로 완벽하게 제어되는 Cirque du Soleil의 웅장한 곡예 장대 높이뛰기; 배우가 차량을 조종하는 것처럼 보이게하는 원격 제어 드라이버; 시드니와 베이징 올림픽 개막식에서 수입 된 호주의 와이어 리깅 승무원. 드디어, 밀러는 그의 훌륭한 편집자이자 아내 인 마가렛 식셀이 약 400 시간 분량의 영상을 넘겼습니다. 그녀는 영화의 여섯 가지 기술 오스카상 중 하나를 수상했습니다. 10 개 모두를 이겼어야했다. 또 다른“Fury Road”는 없을 것입니다.

마스터

“The Master” (Paul Thomas Anderson, 2012)

모든 폴 토마스 앤더슨 영화는 축하의 목적이며, 그의 경력 30 년 동안 그는 시대를 정의하는 작품 중 일부를 제작했습니다. 그러나“The Master”는 PTA의 다양한 모드의보기 드문 합성을 관리했습니다.“Punch-Drunk Love”에서 외로운 영혼 탐색의 불안하고 편심 한 친밀함을“There Will Be Blood”라는 거대한 역사적 질문과 결합하여 놀라운 통찰력을 만듭니다. 국가의 분열 된 정체성으로. 사이 언톨로지의 뿌리에 대한 수수께끼 같은 시대 드라마로서, 이단 적 행동이 연약한 마음으로 길을 뚫을 수있는 과정에 대한 놀라운 창입니다.

동시에, 소외가 어떻게 노골적인 반란으로 이어질 수 있는지, 그리고 삶에 대한 모든 조직적인 접근이 실패 할 운명 인 이유에 대한 재미있는 다크 코미디입니다. 그 중심에는 사이 언톨로지 창립자 L. Ron Hubbard의 데드 링거 인 Lancester Dodd (Phillip Seymour Hoffman)가 지휘하는 컬트에 휩싸인 배에 무감각 한 무감각 한 상태로 우연히 발견 된 불만을 품은 2 차 세계 대전 해군 출신 Freddie Quell (Joaquin Phoenix)의 경험이 있습니다. 조니 그린 우드의 놀라운 악보에 대한 탐험 노트에 대한 일련의 불가사의 한 만남으로 이들의 거슬 리고 특이한 교류가 펼쳐집니다.

영화가 시작될 때까지 Freddie는 이미 길을 잃었습니다. 처음에는 Lancester의 따뜻한 커뮤니티에 이끌 렸지만 그는 개인 치료에 대한 노인의 비 정통적인 접근 방식에 빠르게 흡수되었습니다. Freddie가 Lancester의 사기성에 대해 이해하게되면 그는 커뮤니티에 너무 몰두하여 단순히 떠나기에는 부족합니다. 모래에 새겨진 벌거 벗은 여자와 껴안고있는 해변에서 피닉스의 우스꽝스러운 이미지가 북마크에 추가 된“마스터”는 개인적인 방종이 종교의 한 형태임을 보여줍니다. 랭커스터는 꼭두각시 인형 마스터 였을지 모르지만, 어떤 질서도없이 프레디는 그의 저속한 욕망의 노예입니다. 놀라운 요점은 교묘 한 컬트조차도 부서진 사람을 구할 힘이 있음을 암시합니다. 하루가 끝나면 우리는 모두 시스템의 노예이며, 시스템이 없으면 우리 대부분은 단지 표류에 불과합니다.

캐롤

“Carol” (Todd Haynes, 2015)

Todd Haynes의 말로 표현할 수 없을만큼 아름다운 Patricia Highsmith의 각색이 떠오를 때마다 소설의 마지막 말 중 일부가 함께 떠 오릅니다. 천국과 지옥." 그런 점에서 10 년 최고의 영화 목록에있는 자리는 거의 도달 할 수 없을 것 같습니다.

Phyllis Nagy의 대본의 세심한 천재성, Ed Lachmann의 16mm 영화 촬영법의 부드러운 빛, 셀룰로이드에 전념 한 가장 놀라운 두 가지 공연 (그가 속한 러그 아래에서 오래된 Harge를 쓸어 버리지 않음)에 의해 생명을 얻었습니다. Haynes '캐롤은 억압적인 시간 동안의 상호 열광에 대한 단순한 멜로 드라마 그 이상입니다. 카터 버웰의 기운찬 커리어 최고 점수, 샌디 파월의 매혹적인 의상, 또는 캐릭터에게 해피 엔딩을 선사 한 희귀 한 퀴어 로맨스를위한 그릇 이상입니다. 모든 불가능한 꿈의 둔한 힘으로 케이트 블란쳇의 수줍은 미소를 통해 울려 퍼지는 엔딩 Carol Aird는 자신을 위해 해본 적이 있습니다. David Lean의 "Brief Encounter"와 같은 수십 년간의 "만약"드라마에 대한 완벽한 반응 이상입니다. ”또는 21 세기의 가장 카타르 틱한 마지막 장면을 만드는 일련의 작은 제스처입니다. 이 모든 것 (그리고 그 이상!)이지만, 무엇보다도 혼자 사랑에 빠지고 함께 어딘가에 착륙하는 느낌을 나누는 것이 불가능할 정도로 순수한 증류입니다.

홀리 모터스

“Holy Motors” (Leos Carax, 2012)

영화의 "마법", 시청자를 새로운 세계에 몰입시키는 수송 능력에 대해 많은 것이 만들어 지지만 실제로 "Holy Motors"의 놀라운 광채로이 효과를 달성 한 사람은 거의 없습니다. 10 년 넘게 레오 카락스의 첫 장편 영화는 오스카 (역대 가장 절충적인 공연 중 하나 인 데니스 라 반트)라는 남자의 카테고리 파괴 무용담으로, 변화를 구걸하는 노인에서 남자로 파리 주변의 다양한 캐릭터로 변신합니다. 그의 임종과 Monsieur Merde로 알려진 미친 길거리 성게. 한 공연에서 다음 공연으로 리무진을 타고 마을을 돌아 다닐 때 영화의 초현실적 인 논리가 계속 퍼져 나갑니다. 어두운 조직의 변덕에 따라 운영하는이 수수께끼 같은 인물은 그의 특이한 공연에 잊혀지고 지쳐 있습니다. 절충주의 생활을 통해 많은 역할을해온 사람은 누구나 동의해야합니다. Oscar의 독실한 운전사 Céline (Edith Scob)이 Georges Franju의 "Eyes Without a Face"의 가면을 쓰면 "Holy Motors"가 영화에 대한 러브 레터라는 것이 분명해집니다. 예술 형식이 지울 수없는 이미지를 만들 수있는 능력 평범한 현실보다 더 많이 표현합니다. 오스카가 과거에 대한 애통 한 노래를 부른 전 애인 (Kylie Minogue)과 연결될 무렵, Carax는 거의 모든 영화 장르에 퍼널을 통해 영화의 한 클래스에 존재하는 예술 형식의 진정으로 독창적 인 표현으로 이들을 모았습니다. 개인적인. 일상적인 현실이 할 수있는 것보다 더 많은 것을 표현하는 지울 수없는 이미지를 창조하는 예술 형식의 능력. 오스카가 과거에 대한 슬픈 노래를 부르는 전 애인 (Kylie Minogue)과 연결될 무렵, Carax는 거의 모든 영화 장르에 퍼널을 통해 영화의 한 클래스에 존재하는 예술 형식의 진정으로 독창적 인 표현으로 이들을 모았습니다. 개인적인. 일상적인 현실이 할 수있는 것보다 더 많은 것을 표현하는 지울 수없는 이미지를 창조하는 예술 형식의 능력. 오스카가 과거에 대한 애통 한 노래를 부른 전 애인 (Kylie Minogue)과 연결될 무렵, Carax는 거의 모든 영화 장르에 퍼널을 통해 영화의 한 클래스에 존재하는 예술 형식의 진정으로 독창적 인 표현으로 이들을 모았습니다. 개인적인.

"Holy Motors"가 오스카의 하루 종일 오디세이를 계속하면서 영화는 들쭉날쭉 한 삶의 리듬 자체에 대한 서정적 인 우화가됩니다. 아코디언 막간을 생각해 보자. 오스카가 열렬한 공연을 통해 그를 따라 오는 음악가들이 동굴 같은 복도를 돌아 다닐 때. 시퀀스는 자기 표현에 대한 탐구에 참여하고 오는 모든 잠재적 스레드를 파악하는 것이 의미하는 모든 정서적 취약성을 구현하는 자체 용어로 강력한 진술입니다. 영화 전체에 대해 똑같이 말할 수 있습니다.

인사이드 르윈

“Inside Llewyn Davis” (Ethan & Joel Coen, 2013)

Coen Brothers는 항상 매우 사랑스러운 패배자 (범죄자, 괴물, 새색, 해본과 지망생)를 만드는 데 탁월했습니다. 즉)는 유일무이합니다. 포크 싱어 데이브 반 론크 (Dave Van Ronk)의 생애 (그리고 지체 된) 경력을 느슨하게 기반으로 한 60 년대 세트 'Inside Llewyn Davis'는 그의 노크 한 삶에서 일주일 동안 타이틀 캐릭터를 따릅니다. 나쁜 쇼, 더 나쁜 녹음 세션, 동상에 대한 유혹, 유쾌한 주황색 얼룩 고양이가 가득한 주간 자체는 Llewyn의 일상 생활을 상징하지만 Coens (및 Isaac)는 이것이 하나라는 사실을 결코 잊지 않습니다. 그의 삶의 일부.

영화만큼 즐겁고 풍부하지만, Llewyn의 삶과 그가 안에 갇혀있는 더럽고 차갑고 마법 같은 NYC에서 얼마나 더 많은 일이 벌어지고 있는지 분명하기 때문에 많은 즐거움과 진실이 작동합니다. 코 엔스 (Coens)가 쓴 대본에서 위아래로 흠 잡을 데없이 짜릿한 드라마와 "그게 인생이야!" 촬영 감독 브루노 델 본넬 (Bruno Delbonnel)이 뉴욕 시대를 사랑스럽게 촬영 한 코미디. 그리고 그것은 음악에 대해 말할 것도 없습니다 – 음악! — T Bone Burnett과 Marcus Mumford가 Llewyn을 내부에 존재하지 않았던 시대로 굳건히 설정하면서 동시에 새로운 음악적 유산을 만들어 냈습니다.

액트 오브 킬링

“The Act of Killing”/”The Look of Silence” (Joshua Oppenheimer, 2013/2015)

지난 10 년 동안 "중요"는 우리가 예술을 설명 할 때 가장 오용되는 형용사가되었습니다. 이 단어는 사람들에게 특정 영화가 도덕적 절박함을 부여받을 수 있다는 것을 사람들에게 확신시키는 데 사용되어 왔습니다. 그것은 그들에게, 그리고 아마도 인류에게도 좋을 것입니다. 그 단어라고 불리는 대부분의 영화는 그것을 가치가 없었고, 그것을 가치가있는 대부분의 영화는 그 덕목에 합당한 예술성을 자랑하지 않았습니다. 그러나 그때 조슈아 오펜하이머의“살인 행위”와“침묵의 모습”이라는 두 개의 다큐멘터리가 있었다. 두 개의 다큐멘터리는“중요 함”이라는 단어를 반사적으로 불러 일으키면서도 절망적이고 파괴적으로 부적절하게 만들었다. 1965-66 년 인도네시아 대량 학살의 유산에 관한이 영화는 중요 할뿐만 아니라 오펜하이머의 기술이 그 중요성을 활성화하는 방법 때문에 반향을 일으켰습니다.

"살인 행위"이전에 '65 -66 년 대량 학살은 여전히 권력을 잡고있는 모든 가해자에 의해 묻혔습니다. 현대 인도네시아의 계급과 권력 구조를 지시 한 삭제. “The Act of Killing”에서 자랑스런 도살자들은 스스로 이야기를하도록 권장되며, 그들이 보는 것처럼“공산주의자”를 말소하고 국가를 구하기위한 대량 살인의 영웅적인 환상. 살인자들에게 자신의 사건을 재현하고 망상적인 자기 희생을 화면에 표시하도록 초대함으로써 오펜하이머는이 남성들이 효과적으로 자신에 대해 말할 수있게합니다. 그 결과 오랫동안 인도네시아를 인질로 잡고 있던 열병의 꿈을 깨뜨릴만큼 강력한 영화가 탄생했다. 전국 언론이 '살인 행위'를 보도하고 인도네시아의 과거를 재고하는 과정을 시작했다.

"The Look of Silence"로 2 년 후 출시되었지만 "The Act of Killing"제작 직후 몇 주 만에 위험하게 촬영되었습니다. Oppenheimer는 대본을 뒤집고 생존자의 관점에서 대량 학살을 바라보며 학살을 봤습니다. 오랫동안 그들을 사로 잡았던 거짓 내러티브에 도전 할 힘이 없었던 사람들의 눈. 오펜하이머는 형의 잔인한 살인 (“살인 행위”에 설명 된 사건)으로 탄생과 존재를 결정한 영화의 주인공 Adi Rukun을 통해 범죄의 현실을 살인자들과 맞설 수있었습니다. . “The Look of Silence”는 Rukin의 관조적 성격과 관찰 적 정확성을 더 잘 반영하기 위해 전작의 오페라 스타일을 넘어 섰습니다. 그리고 그 접근 방식은 지금까지 카메라에 포착 된 가장 충격적인 반응 샷을 만들어냅니다. Oppenheimer는“The Look of Silence”를 통해 생존자들에게 목소리를 냈을뿐만 아니라 그들이 항상 두 눈으로 본 진실을 말할 수있게했습니다.

사랑을 카피하다

"Certified Copy"(Abbas Kiarostami, 2010)

소련의 체코 슬로바키아 침공에 맞서 고문을당하는 로맨스를 저술 한 밀라노 쿤데라는“사랑은 제국과 같다. 무너짐에 기반을 둔 아이디어는 사라진다”고 썼다. "참을 수없는 존재의 가벼움"의 유명한 단어는 Abbas Kiarostami의 "Certified Copy"의 조약돌 토스카나 골목을 통해 울려 퍼집니다.이 세계와 그 안에있는 모든 사람이 우리의 공통된 신념에 의해 반으로 기억되는 방식을 조사하는 에셔와 같은 로맨스입니다. 출처 — 언젠가는 무언가가 현실이라는 상호 합의 (또는 대중적 망상)에 의해 국가와 관계, 심지어 예술적 표준이 어떻게 유지되는지.

그러나 "진정한"것이 무엇을 의미합니까? "모나리자"는 포즈를 취한 여성의 사본이 아닙니까? 결혼은 오래 전부터 사랑에 빠졌을 때처럼 오랫동안 잊혀진 사람들을 계속 연기하기로 약속 한 두 명의 완벽한 낯선 사람 사이의 이중 공연 인 고대 서약의 끊임없는 반향이 아닌가? Kiarostami가 "마린 바드에서 작년에", "이탈리아로의 여행"에서 가져 왔고, 그것을 만들기 위해 자신의 이전에 진실과 아름다움을 탐구했지만 "인증 카피"는 여전히 독창적이지 않습니까?

"가짜 뉴스"가 10 년 동안 가장 교활한 캐치 프레이즈와 딥 페이크가되기 전부터 디즈니 리메이크는 공상 과학 소설이 항상 미래에 대해 우리에게 말했던 방식으로 진실을 불안정하게 만들었습니다. 우리가 확실히 아는 유일한 것. 영화의 이야기는 이태리의 작은 마을에서 시작된다. 이름없는 여성 (이보다 나은 줄리엣 비노쉬)이 사물의 질서에 의문을 품고 싶어하는 작가 (윌리엄 심멜)를 만난다. 지역 식당 주인이 장수 부부를 위해 두 사람을 "실수"하면 캐릭터는 아이디어에 의지합니다. 심지어는 혼자 일 때도 마찬가지입니다. 그 생각은 모든 시청자에게 자신의 시간에 발생하지만 항상 Shyamalan 수준의 음모 트위스트의 쿵쿵 거리는 소리와 함께 떠 오릅니다. 결혼하고 귀여운 척하는 것처럼 보이면 어떨까요! ? 그들은 진짜 커플입니까, 아니면 설득력있는 위조입니까? Kiarostami는 대답에 신경 쓰지 않지만 그 차이에 전적으로 강요합니다.

철학 전공자들을위한“Before Midnight”이상으로,“Certified Copy”는 여러분이 홀에서 몇 번이고 길을 잃도록 초대하는 오랜 세월 동안 훌륭하게 지어진 거울 집입니다. 강렬한 개념적 운동으로 시작되는 것은 진실, 예술, 사랑 자체의 본질에 대한 감정적으로 압도적 인 해부로 녹아 들어갑니다. Kiarostami가 그의 고향 인“이란”밖에서 촬영 한 첫 번째 영화였으며 슬프게도 계속 찌르는 방식으로 죽기 전에 만들 수 있었던 마지막 영화 중 하나였습니다. 그럼에도 불구하고 영화의 영향력은 "The Duke of Burgundy"에서 "Phantom Thread"에 이르기까지이 목록에서 이미 느낄 수 있습니다. 아니면 Kiarostami가 그것을 만들기 위해 채널 한 작품의 영향입니까? 그는 확실히 우리가 궁금해하기를 원할 것입니다. 그리고 그는 그가 남긴 것에 대해 반복하는 사람을 환영합니다.

언더 더 스킨

"Under the Skin"(Jonathan Glazer, 2013)

신비한 여인이 스코틀랜드 글래스고에서 밴을 운전하여 외계 행성을 위해 수확 할 수있는 남자를 사냥합니다. 그녀는 먹이를 물에 젖은 검은 색으로 유인하고, 옷을 벗고, 어둠 속으로 가라 앉고 공기가 빠지는 것을 무감각하게 지켜 봅니다. 이 패턴은 외계인이 그녀에게 영감을주는 누군가를 만날 때까지 반복되고 반복되며 그녀가 자신의 임무 아래에 숨어있는 사람을 파악하도록합니다.

분류 할 수없는 경험 인 조나단 글레이저의 매혹적인 걸작 "Under the Skin"의 기본 전제는 공포일까요? 공상 과학인가요? 여 주인공의 살인 ET처럼 항상 유동적입니다. 그것은 실제로 큐브릭과 비교 될 정도로 차갑고 대담한 호기심으로 심연을 응시합니다. Glazer의 천재성은 Scarlett Johansson을 가장 위험한 방식으로 폭파하고 해체하도록 강요 한 역할에서 시작되었습니다. 그녀의 캐릭터 장면 중 많은 부분이 몰래 카메라로 촬영되었고 그녀의 캐릭터의 희생자 중 상당수가 그녀가 데리러 온 무명 한 남성 이었기 때문입니다. 거리에서. 그 녀석들은 그들의 종족에게 가장 큰 공로를 인정하지는 않지만 그들의 인간성은 그녀의 임무의 본질에 의문을 제기하는 외계인에게 문지르지 않을 수 없습니다.

그 이후로 드물게 보여주지 못했던 용기를 보여주는 요한슨은 전신의 경이로움으로 깨어나고, 생각이 형성되는 자연스러운 은총으로 영화가 공감으로 빠져 나갈 수 있도록 차트를 그린다. 그녀는 거의 침묵의 역할로 평생의 연기를 전달하고, 외부 공간을 통과하는 외부인의 두려움, 떨림, 스릴을 꼼꼼하게 꼼꼼히 꿰뚫어 그녀의 화면 존재가 자신의 위치 결정력을 취하게된다. 그녀는 우리가 우리 자신의 최악의 적이라는 오래된 생각을 칙칙하고 새로운 방식으로 받아들이는 원동력이며, 나머지 영화는 그녀의 놀라운 불협화음을 맞추기 위해 자체적으로 왜곡됩니다. 그것은 특히 Mica Levi의 혁신적인 악보에 해당됩니다. 신디사이저와 병든 타악기를 우리 내면의 어둠의 최면 사운드 트랙으로 휘젓습니다. 더 인간적인 Johansson의 성격이 될수록 더 많은 외계인 "Under the Skin"이 느껴집니다. 수십 년간의 영화는 우리가 화면에서 자신을 바라 보도록 장려했지만, 우리가 뒤를 응시하는 것을 좋아하지 않을 수도 있다는 것을 인식하는 것을 두려워하지 않는 사람은 없었습니다.

문라이트

“Moonlight” (Barry Jenkins, 2016)

“Melancholy를위한 약”에 대한 Barry Jenkins의 오랜 후속 조치는 전형적인 2 학년 노력이 아니 었습니다. 로맨스와 고급화에 대한 부드럽고 통찰력있는 반추 이후 10 년이 지난 후, 낭만적 인 욕망과 아프리카 계 미국인 경험의 정서적 어려움에 대한이 거대한 시선은 그 집착을 심오하고 창의적인 태피스트리로 접습니다. 한 수준에서 그것은 지나가는 시선에서 말하는 깊은 비극입니다. 동시에 흑인 예술성이 대중 문화에 신선한 방식으로 스며들 수있는 잠재력을 확대하는 집회 요청입니다. 연상적인 이미지와 부드러운 교환으로 가득한 영화 감독의 Tarrell Alvin McCraney의 연극 "In Moonlight Black Boys Look Blue"는 작은 제스처로 웅장한 발언을 할 수있는 드문 능력을 보여줍니다. 이번 10 년 동안 그 까다로운 균형을 관리 한 서사시는 없었습니다.

그러나“Moonlight”는 그 깊이를보다 전통적인 드라마틱 한 비유의 모습으로 깎아 내립니다. 이 영화는 세 시대에 걸친 젊은 흑인 남성의 곤경을 탐구하며, 계급의 짐과 부서진 가족의 부담 속에서 자신의 성적 정체성으로 고군분투하면서 세상에서 자신의 자리를 찾아 나선다. 그러나 그 호의 대부분은 전통적인 플롯의 경계를 무시하는 시퀀스를 통해 전개됩니다. 대신, 이야기의 힘은 단어 사이 의 간격 과 적절한 단어를 찾기위한 지속적인 전투 에서 비롯 됩니다. 한 번에 여러 수준에서 소외되는 성격에 대한 놀라운 분위기의 작품입니다.

어린 Chiron의 이야기는 자라면서 만족스러운 삶을 찾을 기회를 놓치면서 점점 더 절망적이고 슬픔에 잠 깁니다. 마침내 소년은 일을 바로 잡기 위해 마지막 한 발을 시도하면서 남자가된다. 침울 한 어조에도 불구하고 발언 할 가능성에 대한 희망의 등대입니다. 2016 년 대선 한 달 전 공개 된 '문라이트'는 과급되기 훨씬 전부터 미국 사회의 단절감을 깼다. 어조는 우리가 겪는 어려움의 중심에있는 절망과 그리움의 혼합을 반영하지만 정확한 역사적 순간을 뛰어 넘습니다. 그의 진정한 자아가 항상 남아있는 밤의 해변에서 카메라를 바라 보는 젊은 시론의 최종 이미지는 상징적이다.

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